Ben Becker

Bekannt aus Film, Fernsehen, Büchern und Musik, ist Ben Becker ein wahres Allround-Talent. Geboren 1964 in Bremen, ist sein Ziel schon früh wie seine Eltern Schauspieler zu werden. Seine Mutter Monika Hansen und Rolf Becker lassen ihn schon als Kind in Hörspielen und in kleinen Filmrollen am Showbusiness teilhaben. Auch seine Schwester Meret Becker ist bekannte Schauspielerin und Sängerin. Zusammen haben sie im Märchenfilm Die kleine Meerjungfrau (2013) brilliert und singen hin und wieder zusammen auf der Bühne oder in Beckers eigener Kneipe Trompete in Berlin-Tiergarten.

Als Synchronsprecher wurde Ben Becker bekannter, als er 2006 Nick Nolte und Robin Williams seine Stimme lieh (Ab durch die Hecke und Happy Feet). Seine ausdrucksstarke, kratzige Stimme wurde aber auch für andere Hörbücher und Gedichtvertonungen verwendet. So zum Beispiel in „Die Bibel-eine Gesprochene Symphonie“, die Ben Becker 2007-2008 mit der Zero Tolerance Band musikalisch umsetzt und live insgesamt 120.000 Zuschauer erreicht.

Auch autobiographisch kann Ben Becker schon ein Buch vorweisen. In Na und, ich tanze erzählt er von seinem aufregenden Leben und seiner Lebensgier, die nie zu versiegen scheint. Ein bisschen von dieser Energie konnte er bisweilen in sein Kinderbuchprojekt um den jungen Bruno stecken. Dieser hat grüne Haare und einige Flauen im Kopf. Vier Bücher sind seit 2009 bereits aus seiner Feder entstanden, weitere sollen folgen.

Sein Soloprogramm „Ich, Judas – Einer unter euch wird mich verraten“ mit dem er seit 2017 durch Deutschland tourt, zeigt einen Perspektivenwechsel in einer der ältesten Geschichten der Welt: die des Verräters Judas Ischariot. Den Text von Walter Jens kann Ben Becker komplett auswendig, was, Aufgrund der Länge, beeindruckend ist. Judas Verrat wird in diesem Stück als Teil des göttlichen Plans dargestellt und Judas als Messias. Provokant und Aufwühlend, vor allem durch Beckers tiefen Bass.

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Was es alles nicht ist: Kein Jazz, kein Krach, kein meditatives Zeugs. Kein Drone und kein Ambient und kein Keinjazz. Kein schnell, kein langsam, viel langsamer. „Langsamste Band der Welt“, schrieb SPEX einmal, aber woher soll man das wissen, wenn man jeden Monat erscheint, für Bohren fiele sowas unter Hektik. Noir music? Ja, Dunkel können sie. Detective Jazz? Trifft es am ehesten, hilft es weiter? Bohren ist Bohren, und deswegen ist das hier auch kein Rosenmontag. Kein Geierabendmummenstunkschanz, kein alternativer Karneval, Bohren in der Kirche ist einfach nur Keinkarneval. Keine Gags und schon gar nicht pro Minute, stattdessen Ton. Für. Ton. Wer Bohren hat zu hören, der höre.

Eine Stimme verschwebenden Schweigens. In dieser Stimme, sagt die Bibel, begegne Gott. Nicht im Donner, nicht im Blitz, in keinem Feuer, keinem Sturm. Kein Brüllen, kein Klagen, keine bedrängte Kreatur. Und was dann erklingen könnte, es könnte klingen, wie die Stille klingt, ein sabbathischer Frieden. Jeder Klang, der zu sich selber kommt, verschwebt im Schweigen.

Höher also — das sollte mit dem Bibel-Verweis deutlich werden — höher lässt sich der Anspruch nicht schrauben, den Chorwerk Ruhr stellt. An sich selber, an uns, an den Glauben an das, was menschliche Stimmen können. Die göttliche Stille zum Klingen bringen? Die Idee dieses Konzerts: Es sucht die Stille zwischen den Extremen, nicht an den Rändern, sondern in der Mitte des Lebens, und das heißt hier zunächst: Die Welt des Madrigals begegnet dem Jazz.

Das Madrigal? Ist eine Vokalform der Renaissance, eine empfindsame. Der Jazz, wie Marc Schmolling und sein Ensemble ihn spielt, ist gegenwärtig, ist komponiert und improvisiert. Texte leiten, sie stammen von Inka Machulkova und Georg Trakl, es geht um „Ticho“, tschechisch für „Stille“: Instrumentales, Klangschichtungen, auch Textdeklamation und Vokalisen treffen auf „klassischen“ Chorgesang, Frühbarockes auf Zeitgenössisches, Komponiertes auf Improvisiertes.

CHORWERK RUHR | MARC SCHMOLLING ENSEMBLE
“The Sound Of Silence”

Trompete: TOM ARTHURS
Saxophon: CHRISTIAN WEIDNER
Violine: BILINA VOUTCHKOVA
Klavier: MARC SCHMOLLING
Kontrabass: ANTONIO BORGHINI

CHORWERK RUHR
Dirigent: FLORIAN HELGATH

» Sonntag 17. Februar 2019 | 17:00 Uhr
» Einlass 16:00 h
» Einführung 16:30 h
» Tickets 22 / 11 €
» Ermäßigung gilt für alle bis 25 Jahre
» VVK beginnt am 17. November 2018


CHORWERK RUHR ist ein professionelles und flexibel agierendes Vokalensemble. Sein Repertoire reicht von der abendländischen Ein- und Mehrstimmigkeit bis zu großen oratorischen Werken. Der Chor wird zu den besten Chören Europas gezählt.

Florian Helgath, Künstlerischer Leiter des CHORWERK RUHR, legt den Schwerpunkt seiner Arbeit darauf, zeitgenössische Chormusik in Bezug auf traditionelle Musikformen zu beleuchten, Musikgeschichte im Dialog mit der Gegenwart.

Zusammenarbeit mit namhaften Orchestern - unter anderem dem Ensemble Resonanz, Concerto Köln, Musica Antiqua, musikFabrik und Ensemble Modern - und seit vielen Jahren mit der Christuskirche Bochum, die wie gebaut wirkt für diesen Chor, ihrem choir in residence. Chorwerk Ruhr ist überdies fester Programmteil der Ruhrtriennale.

Dieser Abend ist eine ChorWerk Ruhr Produktion in Kooperation mit der Christuskirche Bochum und dem Kulturbüro Bochum.

JOEL BRANDENSTEIN

Joel Brandenstein hat sich mit seinem Debütalbum „Emotionen“ mit großem Abstand direkt auf Platz 1 der Deutschen Albumcharts katapultiert und das erste Werk bewegt sich mit großen Schritten in Richtung Goldstatus.

Drei ausverkaufte Tourneen mit fast 50.000 Besuchern folgten und im April 2019 erfüllt er sich einen kleinen Traum und spielt 5 exklusive unplugged Konzert in ausgewählten Kirchen unter dem Motto „Hautnah“. So haben Sie den Sänger, dessen Musikvideos alleine bei YouTube knapp 200 Millionen Mal angesehen wurden, noch nie erlebt

Ein Piano-Trio, aber anders, sie spielen Techno. Techno am lebenden Instrument erzeugt und rein akustisch beatmet. Keine Computer nirgendwo, und doch reicht der Sound von deep bis industriell, von feinfühlig bis ekstatisch. Die 3 sind alle unter 30, kommen aus München und heißen Leo Betzl + Maximilian Hirning + Sebastian Wolfgruber. Oder eben Grand Piano + Double Bass + Drums, was in der Summe nun einmal Techno ergibt. Die SÜDDEUTSCHE schwärmt:

„Der neue Jazz in München wird vom Techno ähnlich geprägt wie der in London von Grime und Drum'n Bass oder der in Los Angeles vom Hip-Hop. Jazz wächst organisch. München hat für den Techno zwar nie eine wegweisende Rolle gespielt, Techno für München aber durchaus. Da liegt der Spagat nahe. Das Klaviertrio LBT um den Pianisten Leo Betzl hat den mitreißend perfektioniert.“

Und wie machen die 3 Musik-Studenten das? Antwort JAZZ PODIUM: "Die stupid monotone Bassdrum, teilweise in donnernden Doppelschlägen, erzeugt die erwünschte Trance, wird aber vielfach durch polyrhythmische Verschiebungen und alternierende Tempi gebrochen."

JAZZTHETIK wiederum erinnert daran, dass LBT als klassisches Jazztrio begonnen hat, bevor es seine Liebe zum Techno entdeckte: "Techno funktioniert nach anderen Gesetzmäßigkeiten als traditioneller Jazz und erfordert entsprechend andere Kompositionstechniken." Wobei sich die kompositorischen Konzepte je nach Titel verändern, LBT spielt alles andere als eine Masche. Die Band, schreibt JAZZTHETIK, "ist ein Experimentallabor. Für die eigene Klangästhetik wählt das Trio einen minimalistischen Ansatz: 'Wir erzeugen, wie in der neuen Musik, alle Klänge analog. Man klebt etwas über die Saiten, legt etwas ins Klavier, kratzt irgendwo oder nimmt eine Spraydose und sprüht ins Mikrofon. So entstehen bei uns die Klänge, die sonst vom Computer kommen. Zusätzlich gibt es ein 08/15-Mischpult mit einem Hall- und einem Delay-Effekt.'"

Also: eher untypisch für Bayern, urtypisch für urban urtyp, die Indie-Reihe an der Ruhr. 1 x im Monat immer sonntags 19 Uhr, immer 10 Euro, immer anders. uu hat Stil, weil sich die Reihe keinem Stil verschreibt. Ist Jazz und Post, Elektro und Sprache, Klassik und Ambient und Pop und mehr. Hören, was man nicht kennt. Das alles im Zentrum der Stadt in einem Raum, der Musik verdichtet: ein Kubus, 10 x 10 Meter groß, für jedes Konzert eigens errichtet.

Prof. Ludwig Güttler, zählt als Solist auf der Trompete und dem Corno da caccia zu den erfolgreichsten Virtuosen der Gegenwart und genießt weltweit den Ruf des besten Bachtrompeters; zahlreiche internationale Preise zeigen seine hohe Anerkennung. Von 1969 bis 1980 war es in der gleichen Position Mitglied der Dresdner Philharmonie. Lehraufträge führten ihn an das internationale Musikseminar Weimar und an die Hochschule für Musik "Carl Maria von Weber" in Dresden, wo er bis 1990 eine Professur für Trompete innehatte. Seiner Forscher - und Entdeckerfreude ist es zu danken, daß die Konzertliteratur durch neue Ausgrabungen erweitert wird. Sein besonderes Engagement gilt außerdem, als Vorstandsvorsitzender, der Gesellschaft zur Förderung des Wiederaufbaus der Dresdner Frauenkirche. Mit KMD Friedrich Kircheis, seit vielen Jahren Orgel - und Cembalopartner von Ludwig Güttler, bestreitet er das Duo "Trompete - Orgel".

Friedrich Kircheis studierte ebenfalls an der Hochschule für Musik "Felix Mendelssohn - Bartholdy" in Leipzig, und legte dort 1964 das Staatsexamen ab. Nach einer Organistenstelle in Grimma kam er 1973 als Organist und Kantor an die Dresdner Diakonissenhauskirche, wo er bis heute hauptberuflich tätig ist. Seine Rundfunkaufnahmen und Schallplatteneinspielungen weisen nachdrücklich auf die Tradition der sächsischen Kirchenmusik hin, der sich Friedrich Kircheis verpflichtet fühlt.
(Foto: Juliane Njankouo)

Der in Danzig geborene Diplomsänger MAXIM KOWALEW konnte sich schon im Elternhaus der Musik kaum entziehen. Schon im frühen Alter von sechs Jahren begann er an einer staatlichen Musikschule Geigenunterricht zu nehmen.

Sein Vater war Pianist und Klavierlehrer, seine Mutter Gesangslehrerin. Dadurch, daß sein Vater russischer Abstammung ist, wurde sein Interesse an der Kultur jenes großen Landes im Osten früh geweckt. Maxim Kowalews Mutter ist gebürtige Deutsche. Sie gab Ihm den Blick aus Westen mit auf den Weg.

Noch bevor er das professionelle Singen erlernte, bestaunte er als Kind die Erzählungen, Lieder und märchenhaften Geschichten der Völker des Ostens, besonders der Kosaken, welche ihn für sein weiteres Leben prägten. Damit stand für Maxim Kowalew schon früh fest, daß auch er Musik studieren und eine klassische Gesangsausbildung absolvieren würde. So begann er sein Gesangsstudium an einer der berühmtesten Musikhochschulen im Osten. Mit dem Magistertitel beendete er sein Studium an der Musikhochschule in Danzig. Dort erwarb er den akademischen Grad „Magister der Kunst“. Es dauerte nicht lange, bis er eine Vielzahl von Opernengagements erhielt und seine Popularität steil anstieg. Seine Karrierelaufbahn setzte er kurz danach in verschiedenen Chören und Volksmusikensembles fort. Ab 1983, nach dem Diplom und diversen Opernengagements, sang er in West-Europa, den USA und Israel. Er sang unter anderem in Ural- und Wolga Kosaken Chor. Er bereiste russisch-orthodoxe Klöster, um seine Kenntnisse im Bereich der östlichen Chormusik zu perfektionieren, und vertiefte sein Wissen im Unterricht des berühmten Dirigenten und Theologen Georg Szurbak in Warschau. Als großes Vorbild fungierte immer der berühmte Dirigent des Don Kosaken Chores Sergej Jaroff.

Erst nach seinen vielen internationalen Erfahrungen tat er 1994 den wohl entscheidendsten Schritt seines künstlerischen Lebens und sang in einem Chor, aus welchem sich später die MAXIM KOWALEW DON KOSAKEN herauskristallisierten. Jener Klangkörper läßt das musikalische Erbe der Kosaken in Westeuropa und Skandinavien auf technisch brillantem Niveau wieder aufleben. Maxim Kowalew sieht es bis heute als seine Aufgabe, die schönen russischen Melodien zur Freude des Hörers erklingen zu lassen und dadurch ein Zeugnis abzulegen vom Geiste jenes alten unvergänglichen Russlands, das oft über dem Tagesgeschehen in Vergessenheit gerät. Dabei ist Ihm auch wichtig, begabten Künstlern die Möglichkeit zu geben, ihr großes Talent an die Öffentlichkeit zu bringen.

Mono Inc. - Monomanie Icorporated

Spätestens seit ihr Debütalbum Head under Water auf den Markt kam, ist die Dark Rock-Szene um eine vielversprechende Band reicher geworden. Einzuordnen irgendwo zischen Dark Rock und Alternative sind die vier Musiker*innen aus Hamburg längst von einer Vorband zum Headliner geworden. Schon vorher als Geheimtipp geltend, gaben ihnen die Tourneen als Support für Subway to Sally, ASP oder Unheilig den finalen Push in die Sphären der ganz großen Dark-Rocker. Wenn in bald 20 Jahren Bandgeschichte auch das eine oder andere Mitglied ausgetauscht wurde, so sind Mono Inc. sich dennoch auch in ihrem neuesten Album treu geblieben. 

Mono Inc. bewiesen schon in den letzten Jahren massive Innovationskraft, das Potential des deutschen und englischen Rocks und dass es oftmals leicht sein kann, diverse Elemente, die sich vielleicht zunächst abstoßen, miteinander zu verbinden. Wie seine Vorgängeralben ist auch das neue Together Till The End ein Ticket in düstere Traumwelten, dunkle Nächte und düstere Täler – Gänsehaut pur.

Welcome to Hell Tour 2018

Die Kombination von deutschen und englischen Lyrics, breiten Klanglandschaften und mitreißenden Melodien formen ein Kunstwerk, das trotz seines Facettenreichtums nicht den eigentlichen Sound von Mono Inc. aus den Augen verliert. Stagnation ist der Tod jeglicher Kreativität, deswegen schreckt die Kombo mit Schlagzeugerin Katha Mia nicht vor Entwicklung zurück. Diese Einstellung scheint richtig gut zu funktionieren.

Auf die Konzerte im Rahmen der Welcome To Hell Tour darf man gespannt sein, denn Mono Inc. werden wie gewohnt eine unvergleichliche Show auf die Bühne bringen und ihr neues Werk präsentieren. Jetzt Karten im Vorverkauf sichern für die Mono Inc. Welcome To Hell Tour 2018!

Mono Inc.: Symphonic Tour 2019

Mit ihrem letzten Album Welcome To Hell (VÖ Juli 2018) brachen Mono Inc. ihren bisherigen Chartrekord aufs Neue. Bis auf Platz 2 der deutschen Albumcharts ist das Werk geklettert, gefolgt von einer umfangreichen Tour mit 21 brandheißen Rockshows.

An eine Pause denken die vier Gothic-Rocker jedoch noch lange nicht: Im März 2019 starten Mono Inc. ihre große Symphonic Tour 2019! Gemeinsam mit einem düsteren Streichorchester liefern die Hamburger eine bombastische Live-Show ab, die Du niemals vergessen wirst.

Es gibt keine Vorband, die den heiß ersehnten Auftritt herauszögern wird - so genießt Du 100% Mono Inc. von Anfang an! Freu Dich auf die größten Hits, fesselnde Neuinterpretationen und Live-Raritäten, die Du so noch nie gehört hast. Gönn Dir Dark-Rock der Extraklasse und sichere Dir jetzt Tickets für Mono Inc. auf ihrer Symphonic Tour 2019!

Das kommt nicht oft vor auf dieser Welt: dass einer eine Stimme hat, und was für eine. Und: dass er singen kann nach allen Regeln der Kunst. Nathan Carter ist der Typ, der sich, mit einem Lächeln im Gesicht, die Seele aus dem Leibe singt, die seinen Körper verlässt und den Raum erfüllt und die Herzen aller, die sie hören, und dann zurück kehrt zu ihm und dem Lächeln in seinem Gesicht. In Irland ist Nathan ein Superstar.

Er ist 27. Einer der erfolgreichsten unter den jungen irischen Musikern. In Zahlen: 4 #1 Alben in Folge. 2 #1 DVD. Und das in Irland. Wo man, das ist ja nun nicht neu, viel von Musik versteht und von der Kunst des Singens.

Nathan Carter also. Mit 4 Jahren fing er an, das Akkordeon zu lernen, und er wurde Chorknabe in der Kathedrale in Liverpool, so geht Ausbildung. Hat dann ein paar Goldmedaillen gewonnen beim Fleadh Cheoil, dem in Irland höchst geschätzten Wettbewerb traditionell-keltischer Musik, und sich dann verliebt. In die Stimmen einer anderen, einer verwandten Tradition, die der Country & Westernmusik. Johnny Cash, Waylon Jennings, Don Williams, Dolly Parton … Nathan Carter richtet sich an den Großen auf.

Und zieht, da ist er immer noch Teenie, mit seinem Akkordeon durch die irischen Clubs. Mit 16 ist er überzeugt davon, dass er Musiker werden und von seiner Art, Musik zu machen, leben können wird. Sein Vater ist anderer Meinung und besorgt ihm einen Job. Nathan nimmt den Job an, übt ihn aus und legt ihn - nach 1 Woche - nieder. Nichts für ihn. Seine Tante unterstützt ihn dabei, sich seinen Traum zu erfüllen, sie fährt ihn von Club zu Club zu Club und von Liverpool nach Birmingham nach London nach Donegal …

Nathans höchsteigene ‘Never Ending Tour‘: Wie Bob Dylan steht er - und zwar 3 Jahre lang - jede Woche auf einer Bühne in Irland, er erspielt sich sein eigenes, ein begeistertes Publikum. Dann die erste Single - klar, ein Bob Dylan Song, “Wagon Wheel”. Nathan Carter steigt in den Single Charts von Null auf #1 , ab jetzt ist er kein Geheimtipp mehr. Schluss mit den engen Bühnen der kleinen Clubs, jetzt die großen Hallen und ausverkaufte Konzerte mit bis zu 5.000 Fans, er erlernt - das ist ganz große Kunst - die des Entertainers. Seine folgenden zwei CD´s erreichen auf Anhieb #1 der Charts, sein Debut bei Decca/Universal erhält 4 x Platin. Ein Major-Erfolg, ja, aber einer, den er sich selber bereitet hat. Vorbereitet seit dem 4. Lebensjahr.

Und jetzt: setzt er über den Kanal, wir öffnen die Türen. Weil Nathan Carter hat, was so wenige Menschen gleichzeitig haben: eine große Stimme und eine perfekte Technik. Stimme ist das, was man hört, Technik ist das, was man nicht merkt. Er singt, wie kompliziert es auch sei, mit Hingabe plus Leichtigkeit, singt unverschnörkelt geradeaus, sitzt lässig auf dem Barhocker, holt etwas Luft und füllt die Halle bis hinaus in die Garderoben.

Jede Stimme zählt, das wissen wir. Es ist eine Stimme wie diese, die dir sagt, warum das so ist.

Schroff, karg, bizarr. Island ist so: schroffe Steinwelten, karge Landschaften und eine bizarre Schönheit, die jederzeit gefährlich werden kann. Wenn eine Landschaft klingt, dann klingt Island wie Sólstafir, und Sólstafir klingen wie niemand sonst.

Viking Metal? Ja, klang mal danach, lange her. Hardcore-Punk? Auch vorbei. Eine angeschärfte Version von Sigur Rós? Kommt der Sache näher. Ihr jüngstes Album gibt jedenfalls eine Menge psychedelischer Sounds frei, eingebettet in Elemente aus Classic- und Hard-Rock, ab und an auch eine kurze Andeutung von Metal, aber alle Genres und Genregrenzen spielen keine Rolle, den vier Isländern geht es um … Gefühle. Oder soll man sagen: um Spiritualität? „Berdreyminn“ heißt das aktuelle Album, ein Berdreyminn ist sowas wie ein Seher, und das Album handelt von Themen wie Missbrauch in der Familie, psychischen Erkrankungen, Suizid.

2017 ist „Berdreyminn“ erschienen, auf der Tour jetzt spielen Sólstafir ein Set aus Songs von diesem und anderen Alben - ein Set, das „eine ausgereiftere, gar seichtere Nuance beleuchten wird“, heißt es im Vorfeld. Eigentlich treiben die Isländer ihr Publikum ja in emotionalen Wellen vor sich her, das neue Set soll sich - so viel wird hier verraten - „wie ein Kokon anfühlen und dann wie ein Schmetterling zum Himmel empor steigen“.

Wenn das nicht in eine Kirche gehört.

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Aðalbjörn Tryggvason | guitar, vocals
Svavar Austmann | bass
Sæþór Maríus Sæþórsson | guitar
Hallgrímur Jón Hallgrímsson | drums, backing vocals

Sólstafir wird präsentiert von Karsten Jahnke Konzertdirektion, Konzertbüro Schoneberg, Visions, Metal Hammer und laut.de

Eine Welt aus Stöpseln und Steckern, schrankgroß, dicht an dicht. Fräulein vom Amt? Tobi und Mario, sie stehen vor analogen Synthesizern, schrankgroß und altertümlich, und stöpseln von hier nach da und dort. Ströme strömen, Beats ballern, Fetzen einer Melodie fiepen durch den Raum. Und nirgends kein Computer, keine Samples, nichts ist programmiert:

„Das ist unser Equipment und unser Sound! Der sofortige Zugriff auf die Parameter ermöglicht es uns, unsere Musik auf eine Art zu performen, dass sie auf den Konzerten ein echtes Eigenleben entwickelt. Damit können wir unser Musikersein und unsere Spontaneität komplett ausleben.“

Sagt Tobi Weber, und Mario Schönhofer:

„Die Gefahr an einem Instrument, das man schon so lange gespielt und geübt hat, ist, dass man sich in bestimmten Licks und Patterns gerne wiederholt. Beim Modular-Synth passiert dir das nicht so leicht.“

Beide haben sie Musik studiert, der eine Bass, der andere Drums, beide haben einige Jahre bei LaBrassBanda gespielt und damals angefangen, ein erstes Modular-System einzubauen in die Gigs. Und stellten fest, dass so ein Gerät ein eigenes, „ein komplett neues Instrument ist. Darauf ist man total frei, eben nichts, wo ich als Jugendlicher schon ewig lang drauf geübt habe.“

Jetzt ist: jeder Abend anders. Improvisation aus Strom. Improvisieren heißt wörtlich "unvorhersehen", also Schluss mit dem Musikschulschülerdasein, den Wiederholungszwängen, Schluss auch mit LaBrassBanda, Ströme fließen. Und stellen ihre Schränke in den urban urtyp-Kubus und sich davor, und dann wird es amtlich und einem klar, dass Ströme nicht Ströme heißen, weil sie Musik aus Strom machten, sondern weil ihre Musik aus Spannung entsteht. Je höher die Spannnung - das ist hängen geblieben aus dem Physikunterricht - desto mehr Ströme, je mehr Ströme, desto weniger Widerstand, desto mehr urban urtyp.

urban urtyp ist die Indie-Reihe an der Ruhr. 1 x im Monat immer sonntags 19 Uhr, immer 10 Euro, immer anders. Ist Jazz und Post, Elektro und Sprache, Klassik und Ambient und Pop und mehr. Stil, der sich keinem Stil verschreibt.

Das alles im Zentrum der Stadt in einem Raum, der Musik verdichtet: ein Kubus, 10 x 10 Meter groß, er wird für jedes urban urtyp-Konzert in den weiten Kirchenraum gestellt. Hören, was man nicht kennt, wir spielen mit unserer Neugier.

Seit dem Frühjahr 2011 ist die Gruppe THE GREGORIAN VOICES wieder auf Tournee in Europa. Mit ihrem Leiter Georgi Pandurov und acht außergewöhnlichen Solisten tritt sie das Erbe des Männerchores GLORIA DEI an. Ziel dieses Chors war die Wiederbelebung der Tradition der orthodoxen Kirchenmusik. Das Ensemble erhielt mehrere internationale Auszeichnungen.

Gekleidet in traditionelle Mönchskutten erzeugen die Sänger eine mystische Atmosphäre, die das Publikum auf eine Zeitreise durch die Welt der geistlichen Musik des Mittelalters führt - eine Klangwelt ohne zeitliche, religiöse, und sprachliche Grenzen!
Erleben Sie ein abwechslungsreiches Konzert mit einer Mischung aus gregorianischen Chorälen, orthodoxer Kirchenmusik und Liedern und Madrigalen aus der Zeit der Renaissance und des Barock.
Mit seiner Stimmgewalt und vielen Solopassagen zeigt der Chor und seine Solisten, wie Gregorianik heute klingen kann: authentisch und dennoch zeitnah.

Im zweiten Teil des Konzerts erklingen Klassiker der Popmusik, wie unter anderem „Knocking on heaven’s door“ von Bob Dylan, „Hallelujah“ von Leonard Cohen, „Thank you for the music“ von ABBA, "Sound of Silence" von Simon and Garfunkel, "Sailing" von Rod Steward, „Bohemian Rapsody“ von Queen oder "Ameno" von ERA, die im Stil des gregorianischen Gesangs neu arrangiert wurden.

Lassen auch Sie sich von den faszinierenden Stimmen der Solisten und dem ergreifenden Chorgesang begeistern: Mittelalter trifft das Hier und Heute.

THE GREORIAN VOICES bieten Ihnen ein atemberaubendes Konzert und einen unvergleichlichen Hörgenuss.

Eigentlich gibt es in der Christuskirche Bochum keine Tributes, eigentlich. Uneigentlich schon, das gesamte Klassik-Genre ist im Grunde nichts anderes als das, was Tribute-Bands machen, auch klassische Ensembles spielen nach, was andere erdacht und Tausende andere bereits gemacht haben. Insofern lautet die Frage: Sind die frühen GENESIS nicht selber bereits Klassik?

Ist PETER GABRIEL für seine Zeit - sie ist noch immer unsere - ist er nicht das, was die Heroen der klassischen Epoche für ihre Zeit gewesen sind? Nämlich Ausdruck ihrer Zeit?

Darum THE WATCH in der Christuskirche: Weil diese Interpreten diese Zeit wieder hervor holen und ausdrücken können. Paul Whitehead, er war der Cover-Künstler der frühen GENESIS-Alben, seine Bilder stehen überall in der Welt in den Regalen, er sagt: „THE WATCH ist die Band, die mich am meisten an die Magie von Genesis erinnert.“

Und jetzt Steve Hackett himself, er macht es kurz: „Ich empfehle The Watch. I recommend them.“

Zwei Empfehlungen aus erster Hand für den Tribut an eine Zeit, die zu erinnern lohnt: „Verkopft“ war damals kein Schimpfwort, und viele besaßen seinerzeit die Zuversicht, dass man einer Idee nur ein wenig Zeit geben müsse, damit sie Ausdruck werden könne ihrer Zeit. Es ist unsere.