Alte Bekannte

Der Bandname ist Programm, denn das sind sie wirklich, fünf alte Bekannte. Ursprünglich waren Dän Dickopf, Nils Olfert und Björn Sterzenbach Teil der populären und landesweit gefeierten A-Cappella Band „Wise Guys“(Jetzt ist Sommer, 2001), die sich im Sommer 2017 sehr zum Bedauern der Fans auflöste. Da sich die drei einfach kein Leben ohne gemeinsame Musik vorstellen konnten, wurde kurzerhand beschlossen, eine neue Formation zu gründen. Zu dem neuen Team stießen Clemens Schmuck und Ingo Wolfgarten hinzu und gemeinsam geben die Jungs bekannte Lieder der Wise Guys, aber natürlich auch ihre neuen Songs zum Besten.

Die Los geht’s- Auftakt Tour 2018/19

Die selbstgeschriebenen A-Cappella-Songs stammen größtenteils aus Däns Feder – aber natürlich helfen auch die anderen Mitglieder mit beflügelnden Ideen und Inspirationen in der Texterschmiede mit. Auch das klangliche Arrangement der einzelnen Lieder wird von den Fünf gemeinsam bearbeitet, denn nur so können am Ende alle sicher sein, dass die Ergebnisse auch wirklich was fürs Ohr sind! Der Stil der Wise Guys wird also im Großen und Ganzen fortgeführt und man freut sich auf die Freunde von früher.

Ingo Wolfgarten hatte bereits vor den „Alten Bekannten“ Erfahrung in Sachen Musik sammeln können und kennt Gründer Dän durch den ehemaligen Studienkollegen und Tenor der Wise Guys Clemens Tewinkel. Außerdem war er an Projekten bekannter Größen wie der Kelly Family, Gregor Meyle und Bernd Stelter beteiligt. Aber auch Kollege Clemens hat Musik nicht nur im Blut, sondern sogar studiert. Somit gibt es professionellen Zuwachs im Team! Die drei Oldies Dän, Nils und Björn sind gespannt, wie sich die frische Luft auf ihre Musik auswirken wird. Eins ist sicher: es erwartet Euch eine spannende Zeit mit neuen und alten Stimmen, die perfekt harmonieren!

Sichert Euch jetzt Eure Alte Bekannte Tickets für die Los geht’s- Auftakt Tour 2018/19 und erlebt die fünf Stimmwunder auch in Eurer Nähe live!

Gregorianische Gesänge, engelsgleiche Stimmen, ein irischer Chor. International renommiert und geleitet von Michael McGlynn, Komponist, Arrangeur, Tenor. Anúna steht am Beginn einer Entdeckung, die tief zurück reicht in eine andere Spiritualität, die keltische. Teils verborgen, teils gehoben: "The Celtic Spirit" führt in eine Geschichte hinein, in der sich Mystik und Alltag verbinden.

Die Welt des keltischen Irlands. Einmal weit zurück geschaut: Irland lag immer so abseits und war immer so widerspenstig, dass auch die Römer, die Europas letzte Winkel erobert haben, Irland da liegen ließen, wo es liegt, am Rande. Am Rande zu leben bietet eine phänomenale Perspektive: man hat alles vor sich. Und kann sich seinen eigenen Spielraum abstecken. Irgendwann im 4. Jh nach Chr kam Patrick nach Irland, er war lange Jahre über versklavt gewesen und wusste, was es heißt, sein Überleben der Natur abzuringen. Er brachte den Iren die verblüffende Nachricht, dass Gott nicht kämpferisch sei und nicht blutsaufend, sondern die Liebe. Die Botschaft krallte sich auf eine sehr eigene Weise in den Boden der Insel ein: nah am Leben, nah an den Tieren, den Bäumen, dem Feuer im Haus:

"Ich entzünde mein Herdfeuer im Namen des Vaters und des Sohnes und des Heiligen Geistes." Das ist die irische Spiritualität: praktisch, pragmatisch, immer im Bewusstsein, dass es in allem einen Sinn gibt, der in die Tiefe reicht.

Und von dort den direkten Weg ins Leben sucht. So wie Anúna den direkten Kontakt zum Publikum. Die Chormitglieder bewegen sich, während sie singen, immer wieder durch die Gänge der Kirche, die Zuhörer werden in eine Klangwelt gebettet und gebetet.

Die Polyphonie der traditionellen Werke erfordert Übung und Hingabe. Für dieses Konzert hat der Komponist Michael McGlynn mittelalterliche Gedichte aus seiner Heimat vertont: Es ist das erste Mal, dass Anúna während eines Konzerts eine Auswahl von Liedern vorträgt, die sich so stark mit Mythen und Legenden des alten Irlands beschäftigen: Legenden über irische Krieger und irische Mönche, über irische Liebe und den irischen Tod, Gesang aus der Seele des alten Irlands.

www.christuskirche-bochum.de

Ben Becker

Bekannt aus Film, Fernsehen, Büchern und Musik, ist Ben Becker ein wahres Allround-Talent. Geboren 1964 in Bremen, ist sein Ziel schon früh wie seine Eltern Schauspieler zu werden. Seine Mutter Monika Hansen und Rolf Becker lassen ihn schon als Kind in Hörspielen und in kleinen Filmrollen am Showbusiness teilhaben. Auch seine Schwester Meret Becker ist bekannte Schauspielerin und Sängerin. Zusammen haben sie im Märchenfilm Die kleine Meerjungfrau (2013) brilliert und singen hin und wieder zusammen auf der Bühne oder in Beckers eigener Kneipe Trompete in Berlin-Tiergarten.

Als Synchronsprecher wurde Ben Becker bekannter, als er 2006 Nick Nolte und Robin Williams seine Stimme lieh (Ab durch die Hecke und Happy Feet). Seine ausdrucksstarke, kratzige Stimme wurde aber auch für andere Hörbücher und Gedichtvertonungen verwendet. So zum Beispiel in „Die Bibel-eine Gesprochene Symphonie“, die Ben Becker 2007-2008 mit der Zero Tolerance Band musikalisch umsetzt und live insgesamt 120.000 Zuschauer erreicht.

Auch autobiographisch kann Ben Becker schon ein Buch vorweisen. In Na und, ich tanze erzählt er von seinem aufregenden Leben und seiner Lebensgier, die nie zu versiegen scheint. Ein bisschen von dieser Energie konnte er bisweilen in sein Kinderbuchprojekt um den jungen Bruno stecken. Dieser hat grüne Haare und einige Flauen im Kopf. Vier Bücher sind seit 2009 bereits aus seiner Feder entstanden, weitere sollen folgen.

Sein Soloprogramm „Ich, Judas – Einer unter euch wird mich verraten“ mit dem er seit 2017 durch Deutschland tourt, zeigt einen Perspektivenwechsel in einer der ältesten Geschichten der Welt: die des Verräters Judas Ischariot. Den Text von Walter Jens kann Ben Becker komplett auswendig, was, Aufgrund der Länge, beeindruckend ist. Judas Verrat wird in diesem Stück als Teil des göttlichen Plans dargestellt und Judas als Messias. Provokant und Aufwühlend, vor allem durch Beckers tiefen Bass.

Sichern Sie sich jetzt Tickets für den Ausnahmeschauspieler Ben Becker und erleben Sie ihn live auch in Ihrer Nähe!

Eine Stimme verschwebenden Schweigens. In dieser Stimme, sagt die Bibel, begegne Gott. Nicht im Donner, nicht im Blitz, in keinem Feuer, keinem Sturm. Kein Brüllen, kein Klagen, keine bedrängte Kreatur. Und was dann erklingen könnte, es könnte klingen, wie die Stille klingt, ein sabbathischer Frieden. Jeder Klang, der zu sich selber kommt, verschwebt im Schweigen.

Höher also — das sollte mit dem Bibel-Verweis deutlich werden — höher lässt sich der Anspruch nicht schrauben, den Chorwerk Ruhr stellt. An sich selber, an uns, an den Glauben an das, was menschliche Stimmen können. Die göttliche Stille zum Klingen bringen? Die Idee dieses Konzerts: Es sucht die Stille zwischen den Extremen, nicht an den Rändern, sondern in der Mitte des Lebens, und das heißt hier zunächst: Die Welt des Madrigals begegnet dem Jazz.

Das Madrigal? Ist eine Vokalform der Renaissance, eine empfindsame. Der Jazz, wie Marc Schmolling und sein Ensemble ihn spielt, ist gegenwärtig, ist komponiert und improvisiert. Texte leiten, sie stammen von Inka Machulkova und Georg Trakl, es geht um „Ticho“, tschechisch für „Stille“: Instrumentales, Klangschichtungen, auch Textdeklamation und Vokalisen treffen auf „klassischen“ Chorgesang, Frühbarockes auf Zeitgenössisches, Komponiertes auf Improvisiertes.

CHORWERK RUHR | MARC SCHMOLLING ENSEMBLE
“The Sound Of Silence”

Trompete: TOM ARTHURS
Saxophon: CHRISTIAN WEIDNER
Violine: BILINA VOUTCHKOVA
Klavier: MARC SCHMOLLING
Kontrabass: ANTONIO BORGHINI

CHORWERK RUHR
Dirigent: FLORIAN HELGATH

» Sonntag 17. Februar 2019 | 17:00 Uhr
» Einlass 16:00 h
» Einführung 16:30 h
» Tickets 22 / 11 €
» Ermäßigung gilt für alle bis 25 Jahre
» VVK beginnt am 17. November 2018


CHORWERK RUHR ist ein professionelles und flexibel agierendes Vokalensemble. Sein Repertoire reicht von der abendländischen Ein- und Mehrstimmigkeit bis zu großen oratorischen Werken. Der Chor wird zu den besten Chören Europas gezählt.

Florian Helgath, Künstlerischer Leiter des CHORWERK RUHR, legt den Schwerpunkt seiner Arbeit darauf, zeitgenössische Chormusik in Bezug auf traditionelle Musikformen zu beleuchten, Musikgeschichte im Dialog mit der Gegenwart.

Zusammenarbeit mit namhaften Orchestern - unter anderem dem Ensemble Resonanz, Concerto Köln, Musica Antiqua, musikFabrik und Ensemble Modern - und seit vielen Jahren mit der Christuskirche Bochum, die wie gebaut wirkt für diesen Chor, ihrem choir in residence. Chorwerk Ruhr ist überdies fester Programmteil der Ruhrtriennale.

Dieser Abend ist eine ChorWerk Ruhr Produktion in Kooperation mit der Christuskirche Bochum und dem Kulturbüro Bochum.

Das Collegium vocale Bochum ging 1991 aus dem Universitäts-Kammerchor hervor, es besteht aus Mitgliedern des Universitätschores und anderen ausgewählten Stimmen. Zum vielfältigen Repertoire dieses Ensembles gehört anspruchsvolle a cappella-Musik unterschiedlicher Epochen und Stilrichtungen, die chorisch und auch solistisch aus den eigenen Reihen besetzt werden. Der Chor präsentiert sich in regelmäßigen Konzerten in Bochum und Umgebung, ebenso auf Konzertreisen im In- und Ausland (u.a. Italien, Belgien, Estland und Lettland).

Das Collegium instrumentale Bochum ist ein teilweise durch Bläser ergänztes Streichorchester, das 1991 aus dem Universitäts-Kammerorchester hervorging. Zum Repertoire des Ensembles gehören neben Orchesterwerken auch Solokonzerte. Zusammen erarbeiten beide Collegien auch große Werke aus dem oratorischen Bereich.

Die ClassicRock-Songs des ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA gehören zu den beliebtesten Hits der Welt. Kaum eine andere Band hat so viele zeitlose Ohrwürmer produziert wie ELO.
Oft wird behauptet, dass der überirdische Kultstatus der Band verblasst sei, nachdem Jeff Lynne die Band verlassen hatte. Aber solange das Publikum Klassiker wie "Roll Over Beethoven", "Don´t Bring Me Down", "Telephone Line" oder "Sweet Talking Woman" nicht vergessen hat, gibt es Grund genug, die Welthits live zu präsentieren. Phil Bates, Sänger und Gitarrist des Electric Light Orchestra Part II und als solcher direkter Nachfolger von Jeff Lynne, lässt für alte und neue Fans die größten Hits der Classic–Rock–Legende wieder aufleben.
Wahrhaft aufsehenerregend ist dabei seine Stimme. Phil Bates ist ohne Zweifel einer der besten Vocalisten der Welt. Die Musik des Electric Light Orchestra, das bedeutet : Große Stimmen, unvergessene Welthits und Emotionen pur. Man muss sie einfach live gesehen haben: Classic Rock der absoluten Extraklasse

US-Underground, wäre er da zu verorten? Wenn ja, dann ist unten überall und überall Underground: Henry Rollins ist Hardcore-Punk und Schriftsteller und ein Verleger, er ist Reisejournalist und politischer Kommentator, er moderiert im Radio und hat eigene Sendungen im TV, spielt Rollen in Filmen, die siedeln zwischen Horror, Thriller und Komödie, und später dann am Tag ist er Gewichtheber mit Ambition. Ein Abenteurer des Tuns, ein Desperado der Tat:

In Washington geboren, lebt in L.A., er hat geschafft, das zu erreichen, was purer Luxus ist: dass er sich, was er als nächstes tut, nach Lust und Laune sucht, nach seiner persönlichen Motivation. Was immer er singt, erzählt und zeigt, es geschieht „aus reinem Herzen“. Und das ist das Gegenteil von naiv, das reine Herz sieht die Welt filterlos, nutzt die Sprache - Grammy 1994! Für ein Spoken-Word-Album! - nutzt die Sprache, um Politik und Poesie, Wut und Witz, Polemik und Privates zu verschachteln.

Weltreisen durch Kopf und Kontinente, durch Krisen und Katastrophen, Anklagen und Comedy: Rollins provoziert, weil er optimistisch ist, der Satz gilt auch vice versa: Hörte Rollins einmal auf zu provozieren, lohnte es keine Mühe mehr.

So gesehen und gelesen und gehört, muss man Old-Punk Rollins als optimistisch betrachten von Anfang an. Bereits Black Flag, die Hardcore-Legende, der er von 1981 bis zu ihrer Auflösung 1986 als Shouter vorstand, setzte sich von den konform motivierten Bands ihrer Zeit ab. Auch die Black Flags waren wütend und in manchen Momenten hasserfüllt, das aber nicht als Prinzip, noch weniger als Image. Sondern gegen jene, denen Missstände eindeutig nachzuweisen waren.

Mit der Rollins Band, die seit 1986 in wechselnden Besetzungen bis heute existiert, schuf er darüber hinaus einen neuen Musikstil, indem er die Brachialität des Hardcore mit der Schwere des Delta Blues vermengte. Hardcore und Blues? ‚Hardcore-Blues’ ist etwas, das keine andere Band dieser Welt kann. Vielleicht, weil, wer den Blues hat, noch etwas anderes haben muss: ein reines Herz.

Und jetzt? Jetzt etwas sehr Spezielles. Im Februar dieses Jahres hatte Rollins europaweit zu einer Handvoll Auftritte geladen, die waren Wochen vorher ausverkauft, jetzt legt er - wie gesagt, er folgt der Lust und seinem Herzen - 5 Abende nach. 5 individuelle Abende im ganzen Land, einer davon in Bochum, die „Travel Slideshow“ - ist was? Ein Diavortrag.

Einer nach Rollins Art, schwer kalkulierbar. Er hat sich durch Tausende seiner Reisefotos gewühlt und sie dramaturgisch gebündelt, das Ergebnis ist eine Tour de Force der Menschheit. Wird kein Spaziergang, dieser Abend: hier Krieg, dort Hoffnung, hier Krise, dort Aufbruch, dazu erzählt Rollins in seiner eigenen, sehr energetischen Weise von dem, was er erlebt hat und wer ihm begegnet ist, monatelange ist er durch Gegenden wie Bhutan und Nordkorea, Kuwait und Kirgisien, Syrien und Sri Lanka, Brunei und Mali gereist. Eher unwirtlich, der Prospekt, Rollins deutet, informiert, bezieht Position, er verquickt seinen eigenen Blick auf die Welt mit überraschenden Pointen und spontaner Stand-Up-Comedy.

Und dann passiert dies. Oder das. Er ist ein Performer, wie es ihn sonst nirgends gibt. Einer, der sein Publikum drei Stunden und länger fesseln kann. Bis in die letzte Reihe. Die Washington Post, ja nun wirklich keine Dorfzeitung, hat es so ausgedrückt:

„Wortkrieger, Überzeugungstäter, Provokateur, Humorist, selbst Motivations-Trainer: Was für ein wunderbar enthusiastisches und mitreißendes Geschnatter!“

„Was willst du denn? Mach Musik!“ Sagte Julia Hülsmann zu Julia Kadel, seitdem macht sie. Trio gegründet, erste Aufnahmen, die hört Till Brönner, der empfiehlt sie seiner Plattenfirma, die reicht sie an ihre Edel-Abteilung weiter, und so kommt es, dass das erste Album der völlig unbekannten Julia Kadel wo erscheint? Bei Blue Note.

Durchatmen. Blue Note hat Thelonious Monk veröffentlicht. Blue Note hat Herbie Hancock veröffentlicht. Blue Note hat Chick Corea veröffentlicht und Brad Mehldau, Miles Davis und Sonny Rollins und und und ... Julia Kadel.

Zweites Album: „Eine Offenbarung!“ Schreibt die Kritik, Das Trio - Julia Kadel am Piano, Karl-Erik Enkelmann am Bass, Steffen Roth an den Drums - bestätigt quasi aus dem Stand das Niveau, das mit dem Esbjörn Svensson Trio gesetzt worden ist und für das heute Michael Wollnys „(em)“ steht und das Tingvall Trio. Heißt: Null Retro-Jazz, keine Kunstfertigkeiten, keine Jazz-Etüden, sondern … ach, selber hören, unbedingt. Julia Trio ist anders als der Powerjazz von e.s.t., nicht so verrockt wie Tingvall, weniger akademisch als Wollnys (em), aber mit einem ebenso weiten Ausdrucksspektrum, genauso zupackend, melodiös, spielfreudig, ideenreich. Das Kadel Trio mag all diese Vergleiche nicht. Das muss man sich leisten können.

Sagen wir es also anders: Dieses Trio kann musikalische Stimmungen erzeugen, die wie eine creatio ex nihilo den Raum erfüllen, aber dann reitet es diese Stimmungen nicht wie ein Surfer seine Welle, sondern taucht in sie ein. Ob man das, was dann mit einem passiert, Jazz nennt oder nicht, das sei gar nicht wichtig, schrieb einer, „diese Klangwelt ist ziemlich offen. So als wäre all diesen Stücken eine unausgesprochene Empfehlung beigefügt: Taucht mit ein.“

Machen wir. Und dann ist da noch etwas, das Julia Kadel mit urban urtyp verbindet, sie kommt aus Kreuzberg. urban urtyp ist die Indie-Reihe an der Ruhr. 1 x im Monat immer sonntags 19 Uhr, immer 10 Euro, immer anders. uu ist ziemlich offen, um das Kadel-Lob zu zitieren, ist Jazz und Post, Elektro und Sprache, Klassik und Ambient und Pop und mehr. Stil, der sich keinem Stil verschreibt.

Das alles im Zentrum der Stadt in einem Raum, der Musik verdichtet: ein Kubus, 10 x 10 Meter groß, er wird für jedes urban urtyp-Konzert in den weiten Kirchenraum gestellt, es ist ein Hörraum.
Hören, was man nicht kennt. Oder wie Julia Kadel sagt: „Es ergibt keinen Sinn, etwas zu tun, das für mich keine Bedeutung hat.“

MIT
Julia Kadel | pi
Greg Cohen | b
Steffen Roth | dr

Wie war das nochmal, im Anfang war was? Zuerst die gute Musik und dann eine gute Musikpresse? Oder steht das Wort voran, damit Musik entstehen und besser werden kann? LBT hat das Glück, in einer Stadt zu leben, in der es gute lokale Presse gibt, das klingt dann so:

„Manchmal muss man nicht selbst Musiker sein, auch kein Kritiker, man spürt es auch als ganz normaler Konzertgänger: das schiere Talent, dieses Charisma, jene aus langer, großer Anstrengung geborene magische Verbindung zwischen der eigenen Persönlichkeit und dem Transport von Musik. Man weiß, dass man den Betreffenden noch öfter sehen, dass er Teil der Szene werden wird. Ein Gefühl, das in den vergangenen zwei Jahren viele hatten, wenn der Pianist Leo Betzl spielte. Darunter solche, die etwas zu vergeben hatten …“

Klar, klingt nach Süddeutscher Zeitung. Folgen die örtlichen Auszeichnungen fürs Jazz-Klavier, kleinere biographische Ausflüge („mit 10 ging es ans Nachspielen von Led Zeppelin“), musikhistorische Verortungen („Vorliebe für das Impressionistische, Emotionale, Hymnische“) und präzise Beschreibungen von dem, was dieses Trio („drei gleichaltrige Jugendfreunde aus ‚Großkaro‘“) heute anstellt:

„Brillante klassische Technik, Jazz-Grooves und improvisatorische Ausritte ergänzen sich mit Sphärisch-Romantischem, mitunter gar Wuchtig-Rockigem zu seinem eigenen Modern Jazz.“

Leo Betzl, Maximilian Hirning, Sebastian Wolfgruber = LBT. Oder anders: Grand Piano + Double Bass + Drums = Techno. Noch einmal die SZ:

„Der neue Jazz in München wird vom Techno ähnlich geprägt wie der in London von Grime und Drum'n Bass oder der in Los Angeles vom Hip-Hop. Jazz wächst organisch. München hat für den Techno zwar nie eine wegweisende Rolle gespielt, Techno für München aber durchaus. Da liegt der Spagat nahe. Das Klaviertrio LBT um den Pianisten Leo Betzl hat den mitreißend perfektioniert. Auf ihrem neuen Album "Way Up In The Blue" (enja) schaffen sie ein so faszinierend neues Klangbild, das die Klaviermotive und Rhythmuslinien geschickt auf die Essenz des Techno reduziert. Als Fußnote hängt dann zum Schluss noch die sehr altertümliche Ballade 'Moonglow' hintendran, nur um zu zeigen, wo sie eigentlich herkommen.“

Sie kommen hierher in den urban urtyp Kubus. Wieder ein Piano-Trio, wieder völlig anders. Untoter Techno, am lebenden Instrument erzeugt. Rein akustisch beatmet. Keine Computer nirgendwo, und doch reicht der Sound von deep bis industriell. Und von verträumt bis ekstatisch. Vielleicht hauen sie uns den Flügel zu Brei, wir werden ihn eigens versichern. Vielleicht entheben sie uns auch auf Flügeln der Impressionen hinweg. LBT kommen aus München, sie sind alle unter 30 und bayrisch urtypisch.

urban urtyp ist die Indie-Reihe an der Ruhr. 1 x im Monat immer sonntags 19 Uhr, immer 10 Euro, immer anders. uu ist Jazz und Post, Elektro und Sprache, Klassik und Ambient und Pop und mehr. Stil, der sich keinem Stil verschreibt.

Das alles im Zentrum der Stadt in einem Raum, der Musik verdichtet: ein Kubus, 10 x 10 Meter groß, er wird für jedes urban urtyp-Konzert in den weiten Kirchenraum gestellt, es ist ein Hörraum.
Hören, was man nicht kennt.

Prof. Ludwig Güttler, zählt als Solist auf der Trompete und dem Corno da caccia zu den erfolgreichsten Virtuosen der Gegenwart und genießt weltweit den Ruf des besten Bachtrompeters; zahlreiche internationale Preise zeigen seine hohe Anerkennung. Von 1969 bis 1980 war es in der gleichen Position Mitglied der Dresdner Philharmonie. Lehraufträge führten ihn an das internationale Musikseminar Weimar und an die Hochschule für Musik "Carl Maria von Weber" in Dresden, wo er bis 1990 eine Professur für Trompete innehatte. Seiner Forscher - und Entdeckerfreude ist es zu danken, daß die Konzertliteratur durch neue Ausgrabungen erweitert wird. Sein besonderes Engagement gilt außerdem, als Vorstandsvorsitzender, der Gesellschaft zur Förderung des Wiederaufbaus der Dresdner Frauenkirche. Mit KMD Friedrich Kircheis, seit vielen Jahren Orgel - und Cembalopartner von Ludwig Güttler, bestreitet er das Duo "Trompete - Orgel".

Friedrich Kircheis studierte ebenfalls an der Hochschule für Musik "Felix Mendelssohn - Bartholdy" in Leipzig, und legte dort 1964 das Staatsexamen ab. Nach einer Organistenstelle in Grimma kam er 1973 als Organist und Kantor an die Dresdner Diakonissenhauskirche, wo er bis heute hauptberuflich tätig ist. Seine Rundfunkaufnahmen und Schallplatteneinspielungen weisen nachdrücklich auf die Tradition der sächsischen Kirchenmusik hin, der sich Friedrich Kircheis verpflichtet fühlt.
(Foto: Juliane Njankouo)

FRANK MARTIN: GOLGOTHA
Ein Oratorium zur Passion

Solisten
Stadtkantorei Bochum
Bochumer Symphoniker
KMD Arno Hartmann, Dirigent

Fangen wir mit Michael Wollny an, er ist der »vollkommene Klaviermeister“, schrieb die FAZ, weil er alles mitbringe, „was man von einem perfekten Jazzpianisten verlangen kann: virtuose Technik und überschäumende Fantasie, Disziplin und die Fähigkeit zum kreativen Chaos, Sinnlichkeit und ästhetisches Gespür.“ Er könne, schrieb die SZ, „aus jeder nur erdenklichen Musik ein Erlebnis machen, das einem den Atem nimmt“, sein Spiel ist grenzenlos, ideenreich, dialogisch.

Jetzt Heinz Sauer: „Sein Spiel ist von unvergleichlicher Dichte, Weisheit, Vitalität, Schönheit und Unberechenbarkeit. Ein Gigant.“ Schrieb die FAZ. Im Dezember feiert der Altmeister des Neuen seinen 86. Geburtstag, was immer er spielt, es ist angefüllt mit Erfahrung, einem überreichen Erleben und einem Ton, der alles in einem ist und wunderschön.

Und jetzt beide zusammen: „Das Intensitätslevel, das Heinz Sauer und Michael Wollny erreichen, ist fast schon beängstigend“, schrieb die JAZZ THING. Zwei radikale Individualisten in freier Interaktion, ihnen genügen ein paar Noten, ein Thema, und etwas entsteht, von dem niemand weiß, woher es kommt. „Mysteriös“, hat Heinz Sauer es einmal genannt: „Offen für den Raum, für das Publikum, für die Atmosphäre und die Schwingungen, die während des Konzerts unsere Sinne erreichen.“

Ein Hochfest der Sinne, das „Traumpaar des deutschen Jazz“.

Ambient und Drone Sounds aus Europa und Amerika: Das Moving Noises Festival vereint Musiker, die mit minimalistischer Musik komplexe Soundstrukturen erzeugen. Strukturen, deren Tiefe sich einem nicht auf dem Papier erschließt, sondern dann, wenn die Musik auf den Körper wirkt.

Die Christuskirche mit ihrer minimalistischen Ausstattung, dem architektonisch komplexen Deckenwerk und einer kubistisch erhabenen Leere ist für Drone und Ambient ein kongenialer Raum. Ob leise oder laut, der Sound wird körperlich spürbar, weil der Raum die Klänge trägt. Und weil er ihnen Kommentare beimischt, die ganz eigenen Soundeffekte dieser Kirche.

Sie kommen aus New York und tragen ihren Namen zu Recht: Allein in Deutschland haben mehrere hunderttausend Fans eines ihrer Konzerte live gesehen. In der Christuskirche Bochum allerdings geben sie - das sagen sie selber - ihre Heimspiele. Voller Energie und Stimmgewalt, voller Hingabe zu Gott, voller Weihnachtsfreude. Im fröhlichen Vertrauen darauf, dass Gott die Welt geschaffen hat, um uns zu unterhalten.