Judas, sein Name steht für Verrat. Seine Geschichte ist eine der Schuld ohne Vergebung. Er ist der einzige Feind, für den es keine Liebe gibt, der Meistgehasste, Meistverfolgte und Verteufelte: Judas, der Jünger Jesu, der Gottes Sohn mit seinem Kuss verrät und ans Kreuz liefert. Ben Becker übernimmt seine Rolle.

Der Fall Judas muss neu aufgerollt werden. Eine Geschichte wurde überliefert, ein Urteil gefällt, ein Sündenbock gebrandmarkt für die Ewigkeit. Doch die Geschichte stimmt so nicht, das Urteil ist falsch. „Was war denn zu verraten“, fragt Judas in seiner Verteidigungsrede, „ Jesus‘ Aufenthaltsort? Den kannten Tausende. Sein Großes Geheimnis, dass er Gottes Sohn sei? Das hat er selbst gesagt, vor allen Leuten!“ Und das ist nur der Anfang von vielen Unstimmigkeiten einer Geschichte, die mehr geglaubt als befragt wurde.

Das Bild von Judas, dem Verräter, ist ein Vorurteil mit den fatalsten Folgen: Antisemitismus, Judenverfolgung, Glaubenskriege. Ben Becker erhebt seine Stimme für einen, der auserwählt war, den Anti-Christen zu spielen, um Jesus zum Messias zu machen. „Judas ist nichts ohne Jesus … Aber Jesus ist auch nichts ohne Judas“, so die radikale Erkenntnis von Walter Jens, der in seinem Judas-Monolog die moralischen Gewissheiten jahrtausenderlanger Frömmigkeit erschüttert. Eine gigantische Aufgabe für einen Schauspieler: Hier steht einer auf gegen alle in einem verzweifelten Kampf um späte Gerechtigkeit. „Ich, Judas“ ist das existentielle Plädoyer für einen Verdammten, die Korrektur des größten Fehlurteils der Glaubensgeschichte und der Widerruf eines Irrtums, der die Welt gespalten hat.

Ben Becker sucht mit seiner Interpretation des Judas nicht nur den Widerstand gegenüber Feindbildern, Vorverurteilungen und falschen Gewissheiten. Er spielt Judas genau dort, wo die Fragen des Glaubens und Zweifels, der Erlösung und Verdammnis ihren Ort haben, in Gottes Haus. Die Musik und sakrale Wucht der Orgel, gespielt von Domorganist Andreas Sieling, lassen Ben Beckers Judas-Verteidigung vollends zum Ereignis werden.

Rosenmontag ohne Bohren ist wie Christuskirche ohne urban urtyp und wie Weihnachten ohne Nikolaus und wie - wir reden von Bohren - wie Cowboys ohne diesen einen Indianer mittendrin. Nach vier langen Jahren, in denen rosenmontags geschunkelt wurde, als würden die Leute von Viruswellen durchgeschüttelt, kehren Bohren und der Club of Gore zurück an den Ort, an dem am Rosenmontag gar nichts ist. Kein Geschunkel und Gewitzel, kein Karneval und kein Licht. Bohren kommen aus Köln, was ihre Musik alles nicht ist, füllt Bände.

Kein Jazz, kein Krach, kein meditatives Zeugs. Kein Drone und kein Ambient. Auch kein Keinjazz. Kein schnell, kein langsam, viel langsamer. „Langsamste Band der Welt“, schrieb SPEX einmal, aber woher wollten die das wissen, die SPEX erschien jeden Monat, für Bohren fällt sowas unter Hektik. Noir music? Könnte es treffen, alles, was dunkel ist, können sie perfekt. Detective Jazz? Klingt kongenial, nur was bedeutet es? Bohren ist Bohren, und Bohren am Rosenmontag in einer Kirche im Ruhrpott anstatt in Köln am Rhein ist kein alternativer Karneval, nicht einmal das, es ist einfach nur Keinkarneval. Keine 15 Gags pro Minute, stattdessen ein Ton. Irgendwann noch einer. Später vielleicht ein weiterer, nichts überstürzen, das soll urban sein?

Ein Konzert in der urban urtyp edition?

Nirgends besser als hier, urban ist immer dies und jenes, das Eine und sein Gegenteil, Keinkarneval an Karneval. Dass wir den Vorverkauf am 11.11. starten, reiner Zufall. Ebenso, dass Bohren und der Club of Gore eine der genialsten Bands der Jetztzeit sind, auch das reiner Zufall. Sie spielten so langsam, weil sie gar nicht schneller spielen könnten, erklären sie ihren Interviewern seit Jahren mit ernster Miene, es gäbe so viele Töne, sich da entscheiden zu müssen für diesen einen, ohne jenen anderen zu kränken … Und dann leuchten sie hinein in die Tiefenbedeutung ihrer Musik und tun dies just da, wo andere die Himmel anrufen und die Höllen beschwören, die Interventionen und Irritationen, die Ambitionen und Anliegen und all das, was sie antreibe da erzählt Christoph Clöser, „in meiner Nähe gibt es ein Reformhaus, da läuft den ganzen Tag lang Bohren & der Club of Gore, sieben Tage die Woche, das ist das Reformhaus Fischer in der Landmannstraße, die Besitzerin versorgt auch die umliegenden Eisdielen und Wäschereien mit unserer Musik …“

Groß. Bohren und der Club of Gore haben einfach begriffen, dass Musik nicht da entsteht, wo sie gespielt, sondern wo sie gehört wird, im eigenen Kopf. Genauer, sie entsteht da, wo sie live gehört wird in vielen Köpfen in der Wäscherei, der Punkkneipe, dem Jazzkeller, auf der Landmannstraß0e oder in der urban urtyp edition. Die vielen Tickets, die es am 11.11. gibt, werden schnell nicht viele bleiben.

„Märchenhaft“ nennt ACT, wie diese beiden ihren gemeinsamen „Playground“ gefunden haben, das Märchen geht so: Er ein Junge aus dem Vorarlberg, sie wächst in Paris auf. Er lebt mit seinem Klavier unter 4831 Einwohnern, sie changiert zwischen Schauspielkunst und Jazzgesang. Ein Schloss rückt ins Bild, Gold Glanz Glück und dann, die Kamera flattert hinüber, ein Meeting, wie es Meetings gibt, alle dürfen sich was wünschen. Er wünscht sich sie und sie sich einen Trompeter, ziehen Wolken auf? kracht die Sonne in den Neckar? nichts davon, sie hören sich, sie entdecken, wie intuitiv sie zueinander passen, die Kamera zoomt eine blühende Wiese heran, das Spiel beginnt …

So geschehen. Er: einer der interessantesten Pianisten in Europa. Sie: Rising-Star des europäischen Jazzgesangs. Er: hat sein Jazzpiano auf die Gipfel der Kunst hinaufgespielt. Sie: ein Wunder an Stimme und Stimmtechnik. Er trägt ihre Stimme empor, sie brilliert, „beide lieben wir Egberto Gismonti, Hermeto Pascoal, Björk und Thelonious Monk“, sagen sie. Und Alexander Scriabins. Und die eigenen Stücke, die sie sich selber schreiben, wie Liebende es tun.

Weiter: Beide sind sie in ihren 30ern, beide kommen sie von der Klassik, beide haben sie sich in die Weiten der Musik verliebt und haben dort beide die gleichen Vorbilder gefunden in völlig verschiedenen Genres. Und sie beide leben in der Gnade, dass sie die Schönheiten, die andere geschaffen haben, in ihrem eigenen Stil erstrahlen lassen können wie in einem neuen Licht.

Das Album, dass sie auf diese Weise eingespielt haben Corona zum Trotz, hat ACT im Mai 2022 veröffentlicht, es ist, was der Albumtitel ankündigt, ein „Playground“: Der Blues spaziert daher, dort ein geheimnisvolles Fabelwesen, hier ein chansoneskes „Aide-moi“, ein melancholisches „Bizarre“, eine Spielwiese. Zunächst und zuerst für sie, ihre Stimme ist unfassbar begabt dafür, eine Melodie zu tragen wie ein Instrument sie trüge, sie kann dies auf artistische Weise und mit einer Geschwindigkeit, die jedes instrumentale Solo vergessen lässt - und kann es im nächsten Moment behutsam und sanft, französisch gehaucht.

Während er ihre Stimme über den Playground trägt, wie ein Engel sie tragen würde, der beflügelt ist wie Helbocks Grand Piano: Er dämpft die Saiten und spielt sie direkt, nutzt den Korpus für Perkussion und verfremdet den Klang mit einer Prise Elektronik, spielt achtsam und mit Weite und stellt auf seine Weise ein riesiges Orchester in den Raum, in dessen Mitte ihre Stimme.

Wenn sie beide im urban urtyp-Kubus stehen werden, dem 10 x 10 Meter weiten Raum, den wir eigens für diese beiden in die Weite der Christuskirche stellen werden, werden dort Klänge und Farben und Emotionen entstehen so nah, als könne man sie greifen. Das Glück des Jetzt: „Es geht nicht darum, Stärke oder Virtuosität zu zeigen“, sagt Camille Bertault, „es geht darum, die Wahrheit des Augenblicks auszudrücken.“

Vokal- und Instrumentalmusik von Orlando di Lasso, Moritz Landgraf von Hessen, Michael Praetorius, Jacobus Gallus, Giovanni Gabrieli, Johann Sebastian Bach sowie von Dieter Schnebel und Martin Wistinghausen. Mit:

CAPELLA DE LA TORRE (Leitung und Schalmei: KATHARINA BÄUML)
CHORWERK RUHR
Dirigent: FLORIAN HELGATH

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In diesem Konzertprojekt geht es darum, neben der Musik Johann Sebastian Bachs Musik diejenige Vokalmusik in den Mittelpunkt zu stellen, die Bach auf seine persönliche „Playlist“ sortiert hätte, eine musikalische Erinnerung, eine Tradition, mit der Bach umging.

Deshalb erklingen Werke aus einer meist 8-stimmig-doppelchörigen Motetten-Sammlung mit dem schönen Titel „Florilegium Portense“ („Blütenlese aus Schulpforta“). Es war das „Ars musica“ oder das „Chor aktuell“ seiner Zeit und enthielt 115 Motetten meist deutscher Kantoren, daneben aber auch exemplarischer italienischer Komponisten, wie Andrea und Giovanni Gabrieli und anderer Vertreter der klassischen Vokalpolyphonie.

Für eine protestantische Sammlung sind interessanterweise sehr viele katholische Komponisten der nach-tridentinischen Ära darin vertreten, zum Beispiel Orlando di Lasso. Zudem sind die Texte, oft Psalmen, vorwiegend lateinisch gehalten, da sie sich mit dem Lateinunterricht der Schule verbinden sollten. Ein Werk-Kanon des Spätrenaissance und des Frühbarock entstand so, der in diesem Konzert repräsentativ abgebildet werden soll, zudem angereicht durch die historischen Instrumente des Spezial-Ensembles Capella de la Torre, die die Motteten mit tänzerischen Instrumentalsätzen des Früh- und Hochbarock durchsetzen werden.

Eröffnet wird das Konzert jedoch mit einem Höhepunkt Bachscher Kontrapunktik selbst, der ersten Fuge (Contrapunctus I) aus Bachs instrumentaler „Kunst der Fuge“ - wobei die instrumentalen Originaltöne Bachs auf einzelne Vokalstimmen übertragen werden: Ton für Ton wandert so Bachs Fugengeflecht durch den Raum.

Als eigentlicher Kontrast, darum als Dialog wird zudem ein neues Werk des zeitgenössischen Düsseldorfer Komponisten Martin Wistinghausen, geboren 1979, in das historische Klanggeschehen „eingreifen“. Der ausgebildete Sänger, der sich der Renaissance- und Barockmusik sehr verbunden weiß, ist selbst Mitglied im CHORWERK RUHR. In seinem Neuen Werk für Chor und Orchester wird er sich zudem der historischen Instrumente bedienen, dabei jedoch in einen „kreativen Dialog“ mit den Instrumentalisten eintreten. Auf alten Instrumenten Neues auszuprobieren, das jedoch „machbar“ ist, ist eines seiner Ziele. Zugleich werden von ihm poetische Texte des 17. und 18. Jahrhunderts in den Mittelpunkt gestellt, die mit ihren „urmenschlichen Themen – Liebe, Krankheit, Tod“ und in ihrer Objektivität „uns auch heute noch berühren“.

Mithin ein musikhistorisch vielfältig vernetzter Konzertabend mit 

CAPELLA DE LA TORRE

einem der weltweit führenden Ensembles für Bläsermusik der frühen Neuzeit. 2005 von der Oboistin und Schalmei-Spezialistin Katharina Bäuml in Berlin gegründet, hat sich die Capella in unzähligen Konzerten ihren grandiosen Ruf erspielt, dazu kommen bislang 32 CD- Einspielungen sowie eine Vielzahl von Live-Mitschnitten sowie diverse Ehrungen:

2016 wurde Capella als „Ensemble des Jahres“ mit dem ECHO Klassik geehrt, 2017 kam ein weiterer ECHO Klassik für die CD "Da Pacem - Echo der Reformation" hinzu, aifgenommen zusammen mit dem RIAS Kammerchor. 2018 erhielt Capella de la Torre den ersten OPUS Klassik (Nachfolgepreis des ECHO) für die Aufnahme "Serata Venexiana".

Um die Musik vergangener Jahrhunderte  -  hier vor alles des 14.-17.Jahrhunderts  -  für heutige Ohren lebendig werden zu lassen, finden aktuelle historische und musikwissenschaftliche Erkenntnisse ständig Eingang in die Programme von Capella de la Torre. Dazu gehört besonders die Arbeit mit Quellen und Originaltexten. Ein besonderes Anliegen des Ensembles ist die Arbeit mit einem jungen Publikum, die Capella ist in einer Vielzahl von Vermittlungsprojekten engagiert.

Der Name „de la Torre“ ist übrigens auf zweierlei Weise zu verstehen: Anfang des 16. Jahrhunderts komponierte der Spanier Francisco de la Torre das wohl berühmteste Stück für eine Bläserbesetzung, seine „Danza Alta“. Neben dieser Hommage an den Komponisten ist der Name aber auch ganz wörtlich zu verstehen: „De la Torre“ bedeutet übersetzt „vom Turm herab“; Bläsergruppen musizierten seinerzeit bei den verschiedensten Gelegenheiten auf Türmen oder Balkonen. Was auch auf dem Turm der Christuskirche möglich wäre, aber ... wenn man die phänomenale Akustik des Kirchenschiffs nutzen kann, kommt die Capella de la Torre. 

CHORWERK RUHR

zählt zu den bedeutendsten Kammerchören im deutschsprachigen Raum. Die außerordentliche Qualität des 1999 Vokalensembles ist es, den speziellen Anforderungen solistischer Besetzungen ebenso gerecht zu werden wie eine perfekte Verschmelzung des Ensembles im Chorklang zu erreichen.

Im November 2011 hat der mehrfach ausgezeichnete Dirigent FLORIAN HELGATH die Künstlerische Leitung übernommen. Er sieht einen Schwerpunkt seiner Arbeit darin, neue Chormusik in Bezug auf traditionelle Musikformen zu beleuchten und somit für den Zuhörer vor dem Hintergrund der reichen Musikgeschichte neu wirken zu lassen. Mit dem erstklassigen Ensemble setzt er Chormusik auf höchstem Niveau um.

Chorwerk Ruhr hat sich als eines der hochwertigen künstlerischen Markenzeichen der Metropolregion Ruhr und als einer der Spitzenchöre Deutschland etabliert. Seit der Gründung fanden Konzerte mit Musik aus allen Epochen bis zur Gegenwart statt in Zusammenarbeit mit namhaften Dirigenten wie Sir George Benjamin, Frieder Bernius, Sylvain Cambreling, Reinhard Goebel, Robin Gritton, Rupert Huber, Susanna Mälkki, Kent Nagano, Peter Neumann, Emilio Pomàrico, Peter Rundel, Marcus Stenz, Bruno Weil und Hans Zender.

In Konzerten mit renommierten Orchestern wie den Berliner Philharmonikern, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, Concerto Köln, Ensemble Resonanz, l’arte dell mondo, dem Ensemble Musikfabrik, dem Schönberg Ensemble Amsterdam, dem Ensemble Modern, der Jungen Deutschen Philharmonie, den Bochumer Symphonikern, dem SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg und dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks begeistert Chorwerk Ruhr immer wieder sein Publikum und erntet herausragende Kritiken.

Die Zusammenarbeit mit der Christuskirche Bochum dauert seit nunmehr zwei Jahrzehnten an. Die hervorragende Akustik des Oesterlen-Baus entfaltet das Niveau des Chores, die Bilderlosigkeit des Raumes stellt sich in den Dienst des Hörens.

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Dieses Konzert in der Christuskirche verdankt sich einer Kooperation von Chorwerk Ruhr, Christuskirche Bochum und dem Kulturbüro der Stadt Bochum. 

Endlich wieder Rocky Beach! Das VPT - V wie voll, P wie Playback und t wie Thttaer - war zuletzt mit Sherlock Holmes im mysteriösen London unterwegs und mit den Helden der Galaxis in die Weiten des Weltraums vorgedrungen, jetzt fahren sie wieder zusammen auf ihren Lieblingsschrottplatz nahe Los Angeles und da - - ist Sommer. Ein Sommer like Ice in the Sunshine, wir befinden uns in den 80ern an der Westküste der USA. Badegäste tummeln sich an den Promenaden entlang, Künstler, Musiker und Sportbegeisterte. Kinder fahren auf ihren Rädern durch die Straßen, sind das Räder?, es sind Bonanza-Räder, und jagen den Abenteuern hinterher.

Genau wie das VPT es tut, das Wuppertaler Ausnahmetheater, es nimmt sein Publikum mit nach Kalifornien und zeigt - nach fünf Jahren ohne - endlich wieder eine Show mit den drei Detektiven ...

Sweet Dreams are made of this: Wer jemals die fantastisch geschnittene Mischung aus Hörspielen, Lieblingsserien und Filmzitaten gehört hat, die liebevoll gebastelte Kulisse gesehen und irrwitzige Kostüme bestaunt hat - und dann die darstellerische Urgewalt erlebt mit lippensynchronem und aberwitzigen Pointen, dessen Leben verändert sich, der bekommt diese Bilder und Töne nie wieder aus dem Kopf.

Und will mehr!

Und kriegt mehr. Das VPT interpretiert: Die drei ??? und der heimliche Hehler!

„Würde es die Beatles noch geben, sie würden klingen wie ELO.“ Sagte John Lennon 1974 in einem Radio-Interview: „Ich nenne sie die Söhne der Beatles.“ Eine tiefe Verbeugung vor dem Electric Light Orchestra und dessen Mastermind Jeff Lynne. Ihm gelang in eben diesem Jahr mit „Eldorado“, dem vierten Album, eine fürwahr perfekte Synthese aus Rockmusik und opulenten Orchesterklängen.

Manche sagen, der Kultstatus der Band sei verblasst, nachdem Jeff Lynne die Band Ende der 80er verlassen hatte. Aber die ELO-Fans rund um den Globus sahen es anders und wollten es anders, sie wollten ELO live. Und die Band wollte live für ihre Fans spielen: So entstand die Idee für ELO Part II:

Phil Bates - der Band schon lange eng verbunden - stieg als Songwriter, Gitarrist und Frontman ein, direkter Nachfolger von Jeff Lynne. Aufsehenerregend seitdem die Stimme von Bates, der Mann wird nicht zufällig als einer der besten Vocalisten der Welt gehandelt. So gelangen die alten und neuen Klassiker live zurück ins Leben, Werke wie "Roll Over Beethoven" und "Don´t Bring Me Down" und "Telephone Line" und "Sweet Talking Woman" …

Ende 2018 waren ELO and Phil Bates erstmals in der Christuskirche Bochum, in deren phänomenaler Akustik die opulenten Sounds noch einmal eine ganz andere Wirkung gewonnen haben. Klar, dass sie zurückkehren …

„UNTER EINEM HIMMEL / JUST ONE SKY“ – TOUR 2022

Ab dem 06. Januar 2022 gehen Startenor Jay Alexander und Kathy Kelly, langjährige Produzentin und Frontfrau der Erfolgsband „The Kelly Family", mit ihrem ersten gemeinsamen Album „Unter einem Himmel / Just one sky“ auf Deutschlandtournee.

In ihrem Live-Programm präsentieren die beiden Ausnahmekünstler Songs ihres am 26. März 2021 erscheinenden Albums „Unter einem Himmel / Just one sky“ mit einem breitgefächerten musikalischen Spektrum, das von Welterfolgen, über klassisch instrumentierte Songs bis hin zu hymnenhaften Werken reicht.

Mit ihren unvergleichlich charismatischen Stimmen nehmen Jay Alexander und Kathy Kelly ihr Publikum auf eine ganz besondere musikalische Reise mit: Jeder Song bietet Gänsehautmomente, man spürt Jay Alexanders und Kathy Kellys Leidenschaft für jeden Titel ihres Albums, den sie mit ihren opulenten Stimmen in einen epochalen Konzertsaal par excellence verwandeln.

Kathy Kelly ist mit über 20 Millionen verkauften Tonträgern eine der erfolgreichsten Sängerinnen und wurde dafür bereits vielfach mit Gold- und Platinauszeichnungen geehrt. Den großen internationalen Erfolg von „The Kelly Family“ prägte sie maßgeblich als musikalischer Kopf und Produzentin der Band (darunter das Album „Over the Hump“, der meistverkaufte Longplayer aller Zeiten in Deutschland) mit.

Jay Alexander, 20 Jahre eine Hälfte des erfolgreichen Klassikpop-Duos „Marshall & Alexander“, zählt zu den charismatischsten Opernsängern unserer Zeit, der mit seiner einzigartigen Tenorstimme an vielen Opernhäusern und in Oratorien zu hören ist. Zwei seiner sieben Solo-Alben, „Geh aus, mein Herz“ und „Schön ist die Welt“, erreichten Platz 1 der deutschen Klassik-Charts und hielten sich dort mehrere Monate.

„Modern soul pop with a touch of retro”, so umschreibt sie ihre Musik. Mit der sie gleich anfangs den Gitarristen der Indie-Rock-Band Tomte überzeugt hat, Nikolai Potthoff produzierte das erste Album der Hamburgerin, die so gar nicht zur Hamburger Schule zählt auch deshalb, weil sie selber längst in Kreuzberg lebt, der ehemaligen Hochburg für alles, was irgendwie rebellisch klang. Leslie Clios Musik klingt nicht rebellisch, nicht beim ersten Hören, nicht beim zweiten, diese Musik ist gutgelaunt, sonnig, lebensfroh. Schönster Pop, der sich einfach nicht weghören lässt, weil hörbar eigensinnig. Vielleicht doch rebellisch? Genauer hinhören. „Brave New Woman“ heißt ihr neues Album.

Sie hat es in kompletter Eigenregie produziert, „ich wollte einfach selbst entscheiden, wie die Songs produziert werden sollen und mit wem ich zusammenarbeiten möchte“, sagt sie. Ergebnis: ein reines Frauen-Team, das sie um sich herum bildet, Management, Vermarktung, Promo, alles in Frauenhand. So hat es jetzt auch Charlotte Brandi mit ihrem neuen Album gemacht, offenbar ist es die Popmusik, die hier vorangeht und ganz unrebellisch rebelliert: „Es ärgert mich, dass Frauen in unserem Business immer noch so unterrepräsentiert sind“, sagt Leslie Clio, „der einzige Weg aus dieser patriarchalischen Sackgasse besteht darin, Frauen einzustellen, simple as that. Ich bin megastolz, dass in meinem Team so ein Haufen toller Frauen zusammengekommen ist und ich das möglich machen konnte.“

Und Stück für Stück fügt sich das Bild zusammen: Leslie Clio, als Newcomerin gehypt, erste Radiohits, erste Chartserfolge, sie supportet Größen wie Bosse und Keane, baut aber immer wieder dunkle Momente ein in ihre Musik, fast so, als misstraue sie dem Pop, wenn er zu schön werden könnte. Erst mit ihrem 2015er Album „Eureka“ und „Purple“ aus 2017 setzt sich ihre Lebensfreude musikalisch durch und jetzt, mit dem neuen Album, ihr hörbarer Eigensinn:

„No one‘s gonna tell you how to move on / Except the girl with a gun” singt sie in dem Opener von „Brave New Woman“, der Song „Girl With A Gun“ umreißt gleich zu Beginn, worum es auf diesem sowohl kämpferischen wie in sich ruhenden Album geht: um Self Empowerment, um Gelassenheit im Aufbruch und darum, dass man seinen Platz im Leben nicht zugewiesen bekommt, sondern ihn sich selber aussuchen kann  -  und gegebenenfalls um ihn kämpfen muss. Poppigere Nummern wie “Good Trouble” oder “Abcdef*ck Off” setzen die Rebellion und Edginess des progressiven Openers fort, daneben dann aber „Comment Allez-Vous?“, eine wehmütig-bezaubernde Akustikballade, dann der auf klassische Weise erhabene Klaviersong „Back to You“ oder der als Ballade völlig neu interpretierte Camouflage-Hit „Love is a Shield“.

Abwechslungsreich, diese Musik, „Brave New Woman“ ist ein sowohl innovatives wie zeitloses Album, das sie auf der „Take Me To Church“-Tour  -  lediglich sechs Konzerte  -  in ein rein akustisches Gewand einkleiden wird. Und das heißt, die Musik, gerade auch die akustischen Interpretationen ihrer großen Hits wie "I Couldn´t Care Less", "Told You So" und "My Heart Ain´t That Broken", sie rückt einem sehr nah.

1 Nacht, 2 Virtuosen, 2 Virtuosinnen und 1 guitar positivity. Das heißt: 4 Solo-Performances auf den Saiten, die die Welt bedeuten, dazu diverse Stücke im Duo und einige als Quartett. Das alles in einem Raum, der wie gebaut ist für den Klang der Gitarre. Die Nacht der Gitarren in diesem Jahr mit:

LUCA STRICAGNOLI

Italienisches Wunderkind mit einem kometenhaften Aufstieg seit 2017. Inzwischen über 200 Millionen Views seiner Videos, Performances in mehr als 20 Ländern und Credits von musikalischen Größen völlig anderer Genres wie den Red Hot Chili Peppers und Metallica und Walk Off The Earth. Der Grund für diese Popularität: seine einzigartigen Spieltechniken, er bastelt sich seine Instrumente selber, modifiziert sie und baut sie um und kann als Solist bis zu 5 Gitarren nutzen, um 1 Stück zu spielen. Musikalisch einmalig.

ALEXANDRA WHITTINGHAM

Hat sieben Jahre lang klassische Gitarre, Jazzgitarre, Klavier und Komposition an der weltberühmten Chetham´s School of Music studiert, anschließend an der Royal Academy of Music in London, Abschluss mit Auszeichnung. Debütalbum im Mai 2021, es geht hoch auf Platz 1 der iTunes Classical Charts, die Klickzahlen ihrer Videos addieren sich auf mehr als 30 Millionen. Entscheidend aber: das Live-Erleben, in wenigen Jahren hat sich Alexandra quer durch Europas gespielt.

THU LE

International preisgekrönte klassische Gitarristin, in Hanoi, Vietnam, geboren, derzeit lebt sie in Bahrain im Nahen Osten. Ihr Repertoire umfasst Barock, Klassik, Romantik, Moderne und lateinamerikanische Stile sowie Kompositionen, die von lokalen Traditionen und Kulturen aus aller Welt inspiriert sind. Mit vier Jahren hat Thu Le die Liebe zur Gitarre entdeckt, mit fünf ihr erster öffentlicher Auftritt, mit sieben bestand sie die Aufnahmeprüfung für das Nationale Musikkonservatorium in Hanoi. Es folgten Meisterkurse bei weltbekannten Gitarristen wie Manuel Barrueco, Nikita Koshkin, Hubert Kaeppel und Pavel Steidle sowie Solokonzerte auf mehreren Kontinenten.

LULO REINHARDT

Begründer des Latin Swing Style, Gastgeber in der Nacht der Gitarren. Lulu hat das Vermächtnis seines Großonkels Django Reinhardt übernommen, seine mit Latin gewürzten Rhythmen und Melodien spielt er mit sagenhafter Virtuosität. 1961 in Koblenz geboren, entdeckt in der Plattensammlung seiner berühmten Familie den brasilianischen Gitarristen Baden Powell, wird durch seinen Vater unterrichtet und gründet mit ihm und seinem Cousin Bavo Dége die Band I Gitanos. Konzerte mit den Stars der 90er, mit TOTO, Marla Glenn, Andreas Vollenweider, dazu drei CD´s in Romnes, der Sprache der Roma. 2002 die eigene Band, 2008 wird aus ihr das ´Lulo Reinhardt Latin Swing Project´. Im Dezember 2017 geht Lulu Weg zurück, den seine Vorfahren aus der Region Sindh (Indien/Pakistan) gegangen sind: In Kalkutta nimmt er "Gypsy meets India" mit seinem Freund Debhashish Bhattacharya und seinem langjährigen Wegbegleiter Uli Krämer auf, mit diesem Projekt geht er auf internationale Tour.

NACHT DER GITARREN

... ist eine Art Guitarmania. Jeweils vier musikalische Größen — junge und alte, von hier und von dort, alle mit ihrem eigenen Stil - spielen Solo-Performances, Stücke im Duo, als Trio, als Quartett. In einer entspannten, aber konzentriert achtsamen Atmosphäre: Die Künstler schätzen sich, das lässt sich hören. Es ist diese Stimmung, die sich aufs Publikum überträgt: Die “guitar positivity” ensteht, sie erfindet sich jedes Jahr an jedem Abend neu.

Der Unbekannte unter den Berühmten: Paul Carrack hat Musikgeschichte geschrieben wie wenige. Und er genießt - es sind die wahren Ritterschläge - einen enorm guten Ruf unter Kollegen. Ein paar Beispiele vorweg: Beim Debut-Album von THE SMITHS hat er die Keyboards gespielt, ebenso bei „Learning to crawl“ von den PRETENDERS, dann hat ELTON JOHN ihn für mehrere seiner Alben und Singles als Keyboarder geholt, Carrack drückt die Tasten - auch das nur einige Beispiele - auf "Something About the Way You Look Tonight", dem Song auf der Rückseite von "Candle in the Wind", der am meisten verkauften Single aller Zeiten ...

Seine eigene Stimme? Ist ebenfalls eine, die jedermensch auf Erden kennt: Paul Carrack ist die Stimme von MIKE & THE MECHANICS, der Band, die Mike Rutherford, GENESIS-Gitarrist, 1985 gegründet und die solche Mega-Hits geschaffen hat wie „Over my shoulders“ oder - ein übergroßer Song - „The Living Years“ …

Say it loud, say it clear
You can listen as well as you hear
It´s too late when we die
To admit we don´t see eye to eye ...

- es ist seine Stimme, die dir das sagt. Paul Carrack ist „Der Mann mit der goldenen Stimme“, so hat - typisch britisches Understatement - die BBC ihn einmal in einer TV-Doku betitelt, die über Paul, sein imposantes Werk, sein imposantes Leben ging.

Ende 2018 kam Carracks jüngstes Album heraus, „These Days“ heißt es, und dass er Pop komponieren kann wie kaum wer sonst - für ACE beispielsweise hat er „How long“ geschrieben, für die EAGLES „Love will keep us alive“ und so weiter - hat er hinreichend bewiesen. Seine Stimme heute?

Intensiv vertraut.

Hier kommt Kurt. Kurt Dahlke, Pyrolator, er kommt aus dem „Niemandsland“, so heißt sein 2022er Album, hinein in den urban urtyp Kubus. Kurt ist Pyrolator ist eine Legende ist Gründungsmitglied von DAF ist Keyboarder bei Fehlfarben und die eine Hälfte von Der Plan. Nur wieso „Pyrolator“?

Hat nichts mit Feuer zu tun, griech. pyros, er selber erklärt wie folgt: „Der Name ist spontan entstanden, als es bei unserem Label darum ging, Plattenläden mit unseren ersten Produkten zu beliefern …“ - ist also ein wenig her, aber auch nicht so lang, es fuhren schon Eisenbahnen - „und da stellte sich heraus, dass es besser ist einen Künstlernamen zu haben. Es erschien mir peinlich am Telefon zu sitzen und zu sagen: ‚Ich bin der Kurt und habe da eine neue Platte gemacht‘. Während ‚Da gibt es einen neuen Künstler auf unserem Label‘, sowas klingt irgendwie besser. Der Name ist mir dann von Moritz Rrr, mit dem ich bei Der Plan spielte, vorgeschlagen worden, und ich fand ihn gut.“

Wir auch. Wir haben Graecum und können Zahlen. Der Pyrolator, der nichts mit Feuer zu schaffen hat, spielt am 19.3.23 um 19 Uhr für 10 (2*5) € als urban urtyp #82, manche sagen #83 sein neues Album, das 43 Jahre nach seiner ersten Veröffentlichung, „Inland“ 1979, erschienen ist, heißt: 2-3-5-19-43-83-1979 … na?

Eine extreme Dichte an Primzahlen, wobei 2,3 und 5 zugleich Teil der Fibonacchi -Folge sind, das ist alles ungewöhnlich! Genau wie die Geschichte des Pyrolators, die tief in die Düsseldorfer Elektronik-Szene hinein ragt, der Mann war Gründungsmitglied von DAF, ist Keyboarder bei Fehlfarben und ist die eine Hälfte von Der Plan. Von ungezählten Kooperationen und Kollaborationen ganz abgesehen. In seiner langen Karriere hat er auf allen Kontinenten - allen bewohnten - Konzerte gegeben, seine Alben tragen deren Namen: „Inland“, „Ausland“, „Wunderland“, „Traumland“, „Neuland“ und jüngst das „Niemandsland“. Der ehemalige EMI-Manager Roel Kruize hat „Niemandsland“ zum Album des Jahres 2022 gewählt. Er selber sagt von sich, er kehre zurück.

Wohin? Zum Synthesizer in modularer Form, einem „hybriden System“, der Kombination aus einzelnen Synthesizer-Modulen plus Computer. Diese Rückwendung als technische Form hat einen inhaltlichen Sinn: „Inland“, wie gesagt 1979 entstanden, hatte Pyrolator als eine Art instrumentelles Protestalbum verstanden, als ein akustisches Aufbegehren in einer Zeit des deutschen Herbstes und atomarer Aufrüstung, ein Auflehnen gegen die Kriegsgeneration und deren Machtstrukturen, aber im selben Maße gegen die Weinerlichkeit der 68er und ihrer protestseligen Barden. Bis auf wenige Samples kam „Inland“ ohne Text aus, Form ist Inland genug.

Und jetzt, mehr als 40 Jahre später, wendet sich Pyrolator seinen Ursprüngen zu, nur ist es diesmal kein Protest, kein Aufbegehren, das er verhörbar macht, es ist längst 10 nach 12 und die Schlacht geschlagen. Punk hat gewonnen, no future ist der globale Punk, alle sind angekommen im Niemandsland, dem - wie gesagt, wir haben Graecum - utopia.

Andere nennen es Berlin, der Pyrolator lebt inzwischen dort, aus seiner Sicht ist das passabel, es ist die zweite Hauptstadt der Elektronischen Musik. Heimat von Tangerine Dream, Klaus Schulze und Conrad Schnitzler (mit dem Pyrolator posthum zusammengearbeitet hat, aber das ist eine andere Geschichte), Heimat von Ash Ra Tempel, Manuel Götsching und Harald Großkopf, von Robert Schroeder und Michael Hoenig, Mario Schönwälder und Bernd Kistenmacher, von UFO, Berghain und Tresor undsoweiter.

Hier Düsseldorf, dort Berlin, der Pyrolator arbeitet mit an der intergalaktischen Städtepartnerschaft, die urban urtyp stiftet zwischen hier Düsseldorf - Chogori haben im urban urtyp Kubus gespielt, Kreidler, Hans Joachim Roedelius, BAR, Stabil Elite uam - und dort Berlin: Billie Ray Martin ist urban urtyp, Cats & Breakkies, Jungstötter, Kid Be Kid, Brand Brauer Frick, Laura Carbone …

Von ihnen sind nicht alle so welt- und kontinenterfahren, wie Pyrolator es ist, nicht alle haben schon mal getan, was der mit DAF getan hat und Fehlfarben und mit Der Plan, nämlich den Ton ihrer Zeit verdichtet, aber es heißt eben auch kein anderer Kurt.

Musik aus Strom, dennoch nur 10 €.

The Dubliners sind Legende, die Dublin Legends schreiben sie fort. Und wenn man diese Legende nachlesen will, klingt sie so:

The Galway Races ... The Ferryman ... The Banks of the Roses ... Black Velvet Band ... 7 Drunken Nights ... Spanisch Lady ... The Leaving of Liverpool ... Rare Auld Mountain Dew ... The Fields of Anthenry ... The Rambling Rover ... Fiddler’s Green ... Boys come Rolling Home ... The Irish Rover ... The Ballad of Ronnie ... Drew Dirty Old Town ... Whiskey in the Jar …

Sie schöpfen aus einem Repertoire, das so groß ist wie die grüne Insel grün. Und spielen Whiskey in the Jar wie am ersten Tag, dem jüngsten, der Kreis schließt sich Konzert für Konzert. Und damit ist im Grunde alles gesagt. Aber weil es noch etwas hin ist bis zu ihrem nächsten Konzert in der Christuskirche - sie sind hier inzwischen so zuhause, wie sie es zuhause am Tresen sind - hier ein kurzer Blick die lange Legende entlang:

1962 gegründet, aus keinem Irish Pub nie richtig rausgekommen und dann gleich auf die großen Bühnen: Auftritte zusammen mit U2, Damien Dempsey und The Pogues, regelmäßige No-1-Hits ... Als Irish Folk der Sound der Metropolen war, waren sie die Besten.

Und starben nach und nach, Barney McKenna war der letzte aus der Ur-Formation, als auch er starb, schien die Legende an ihr Ende gekommen zu sein. Es kam anders: Wenige Wochen nach Barneys Tod gründeten die, die von den Original-Dubliners über Jahre und Konzerte hinweg aufgezogen worden waren in der Kunst des Irish Folk, die DUBLIN LEGENDS. Sie sind - falls man ein Kulturgut als etwas begreifen möchte, das sich vererben lässt - die rechtmäßigen Erben.

Und sind es, sobald man sie hört, zurecht: Gerry O’Connor mit der Geige, Paul Watchorn am Banjo, Shay Kavanagh  -  für den im Oktober 2017 verstorbenen Eamonn Campbell  -  an den Stimmbändern und der Gitarre, und dann ist da ... 

... Séan Cannon, seit 30 Jahren dabei, der Mann, der keine Legende erzählt, sondern sie selber ist.

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www.christuskirche-bochum.de