Gregorianische Gesänge, engelsgleiche Stimmen, ein irischer Chor. International renommiert und geleitet von Michael McGlynn, Komponist, Arrangeur, Tenor. Anúna steht am Beginn einer Entdeckung, die tief zurück reicht in eine andere Spiritualität, die keltische. Teils verborgen, teils gehoben: "The Celtic Spirit" führt in eine Geschichte hinein, in der sich Mystik und Alltag verbinden.

Die Welt des keltischen Irlands. Einmal weit zurück geschaut: Irland lag immer so abseits und war immer so widerspenstig, dass auch die Römer, die Europas letzte Winkel erobert haben, Irland da liegen ließen, wo es liegt, am Rande. Am Rande zu leben bietet eine phänomenale Perspektive: man hat alles vor sich. Und kann sich seinen eigenen Spielraum abstecken. Irgendwann im 4. Jh nach Chr kam Patrick nach Irland, er war lange Jahre über versklavt gewesen und wusste, was es heißt, sein Überleben der Natur abzuringen. Er brachte den Iren die verblüffende Nachricht, dass Gott nicht kämpferisch sei und nicht blutsaufend, sondern die Liebe. Die Botschaft krallte sich auf eine sehr eigene Weise in den Boden der Insel ein: nah am Leben, nah an den Tieren, den Bäumen, dem Feuer im Haus:

"Ich entzünde mein Herdfeuer im Namen des Vaters und des Sohnes und des Heiligen Geistes." Das ist die irische Spiritualität: praktisch, pragmatisch, immer im Bewusstsein, dass es in allem einen Sinn gibt, der in die Tiefe reicht.

Und von dort den direkten Weg ins Leben sucht. So wie Anúna den direkten Kontakt zum Publikum. Die Chormitglieder bewegen sich, während sie singen, immer wieder durch die Gänge der Kirche, die Zuhörer werden in eine Klangwelt gebettet und gebetet.

Die Polyphonie der traditionellen Werke erfordert Übung und Hingabe. Für dieses Konzert hat der Komponist Michael McGlynn mittelalterliche Gedichte aus seiner Heimat vertont: Es ist das erste Mal, dass Anúna während eines Konzerts eine Auswahl von Liedern vorträgt, die sich so stark mit Mythen und Legenden des alten Irlands beschäftigen: Legenden über irische Krieger und irische Mönche, über irische Liebe und den irischen Tod, Gesang aus der Seele des alten Irlands.

www.christuskirche-bochum.de

Bannkreis

Bannkreis kann nicht in die Reihe der Deutschpoeten gestellt werden. Vielmehr will die Band eine Alternative zur Beiläufigkeit sein, die unsere Alltagskultur so fest im Griff hat. Im Dauerfeuer der sozialen Netzwerke, erdrückt von Technik und Kommunikation, wächst die Sehnsucht nach Achtsamkeit. Musikalisch ist Bannkreis ein Breitwanderlebnis für die Ohren. Epic Folk Rock könnte  einst auf der Schublade stehen, wenn man die Band in eine zwängen wollte. Die musikalischen Einflüsse sind vielfältig. Alte Musik trifft auf Pop, keltische Melodien vermählen sich mit Rockdrums.

Die Beiden Stimmen des Sängers Eric Fish und der Sängerin Johanna Krins verleihen sich gegenseitig Tiefe und Kraft. Überhaupt ist das Projekt Bannkreis aufgeladen von den Spannungen starker Charaktere. Man spürt, dass um jede einzelne Note gerungen wurde, dass jede Textzeile erkämpft ist.

Bannkreis vermittelt ein Gefühl von Verbundenheit mit der eigenen Kultur und bringt alte Saiten in den Menschen zum Klingen, von denen sie nicht wussten, dass sie in ihnen verborgen waren.

Ben Becker

Bekannt aus Film, Fernsehen, Büchern und Musik, ist Ben Becker ein wahres Allround-Talent. Geboren 1964 in Bremen, ist sein Ziel schon früh wie seine Eltern Schauspieler zu werden. Seine Mutter Monika Hansen und Rolf Becker lassen ihn schon als Kind in Hörspielen und in kleinen Filmrollen am Showbusiness teilhaben. Auch seine Schwester Meret Becker ist bekannte Schauspielerin und Sängerin. Zusammen haben sie im Märchenfilm Die kleine Meerjungfrau (2013) brilliert und singen hin und wieder zusammen auf der Bühne oder in Beckers eigener Kneipe Trompete in Berlin-Tiergarten.

Als Synchronsprecher wurde Ben Becker bekannter, als er 2006 Nick Nolte und Robin Williams seine Stimme lieh (Ab durch die Hecke und Happy Feet). Seine ausdrucksstarke, kratzige Stimme wurde aber auch für andere Hörbücher und Gedichtvertonungen verwendet. So zum Beispiel in „Die Bibel-eine Gesprochene Symphonie“, die Ben Becker 2007-2008 mit der Zero Tolerance Band musikalisch umsetzt und live insgesamt 120.000 Zuschauer erreicht.

Auch autobiographisch kann Ben Becker schon ein Buch vorweisen. In Na und, ich tanze erzählt er von seinem aufregenden Leben und seiner Lebensgier, die nie zu versiegen scheint. Ein bisschen von dieser Energie konnte er bisweilen in sein Kinderbuchprojekt um den jungen Bruno stecken. Dieser hat grüne Haare und einige Flauen im Kopf. Vier Bücher sind seit 2009 bereits aus seiner Feder entstanden, weitere sollen folgen.

Sein Soloprogramm „Ich, Judas – Einer unter euch wird mich verraten“ mit dem er seit 2017 durch Deutschland tourt, zeigt einen Perspektivenwechsel in einer der ältesten Geschichten der Welt: die des Verräters Judas Ischariot. Den Text von Walter Jens kann Ben Becker komplett auswendig, was, Aufgrund der Länge, beeindruckend ist. Judas Verrat wird in diesem Stück als Teil des göttlichen Plans dargestellt und Judas als Messias. Provokant und Aufwühlend, vor allem durch Beckers tiefen Bass.

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Mit Engelbert Wrobel´s Swing Society feat. Shaunette Hildabrand. Anders gesagt: Mit einer Band, die swin­gen kann wie keine, seit Cyre­nius Land­pfle­ger in Syrien war. Mit einer Sän­ge­rin, deren Stimme kann, was wenige können. Und einem Weltstar aus Bochu­m, der Tau­sende Kon­zerte gibt und die­ses eine nur ein­mal im Jahr bei uns. So geht Weihnachten.

Die ClassicRock-Songs des ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA gehören zu den beliebtesten Hits der Welt. Kaum eine andere Band hat so viele zeitlose Ohrwürmer produziert wie ELO.

Oft wird behauptet, dass der überirdische Kultstatus der Band verblasst sei, nachdem Jeff Lynne die Band verlassen hatte. Aber solange das Publikum Klassiker wie "Roll Over Beethoven", "Don´t Bring Me Down", "Telephone Line" oder "Sweet Talking Woman" nicht vergessen hat, gibt es Grund genug, die Welthits live zu präsentieren. Phil Bates, Sänger und Gitarrist des Electric Light Orchestra Part II und als solcher direkter Nachfolger von Jeff Lynne, lässt für alte und neue Fans die größten Hits der Classic–Rock–Legende wieder aufleben.

Wahrhaft aufsehenerregend ist dabei seine Stimme. Phil Bates ist ohne Zweifel einer der besten Vocalisten der Welt. Die Musik des Electric Light Orchestra, das bedeutet : Große Stimmen, unvergessene Welthits und Emotionen pur.



Man muss sie einfach live gesehen haben: Classic Rock der absoluten Extraklasse

Fotocredits: STAUBKIND

US-Underground, wäre er da zu verorten? Wenn ja, dann ist unten überall und überall Underground: Henry Rollins ist Hardcore-Punk und Schriftsteller und ein Verleger, er ist Reisejournalist und politischer Kommentator, er moderiert im Radio und hat eigene Sendungen im TV, spielt Rollen in Filmen, die siedeln zwischen Horror, Thriller und Komödie, und später dann am Tag ist er Gewichtheber mit Ambition. Ein Abenteurer des Tuns, ein Desperado der Tat:

In Washington geboren, lebt in L.A., er hat geschafft, das zu erreichen, was purer Luxus ist: dass er sich, was er als nächstes tut, nach Lust und Laune sucht, nach seiner persönlichen Motivation. Was immer er singt, erzählt und zeigt, es geschieht „aus reinem Herzen“. Und das ist das Gegenteil von naiv, das reine Herz sieht die Welt filterlos, nutzt die Sprache - Grammy 1994! Für ein Spoken-Word-Album! - nutzt die Sprache, um Politik und Poesie, Wut und Witz, Polemik und Privates zu verschachteln.

Weltreisen durch Kopf und Kontinente, durch Krisen und Katastrophen, Anklagen und Comedy: Rollins provoziert, weil er optimistisch ist, der Satz gilt auch vice versa: Hörte Rollins einmal auf zu provozieren, lohnte es keine Mühe mehr.

So gesehen und gelesen und gehört, muss man Old-Punk Rollins als optimistisch betrachten von Anfang an. Bereits Black Flag, die Hardcore-Legende, der er von 1981 bis zu ihrer Auflösung 1986 als Shouter vorstand, setzte sich von den konform motivierten Bands ihrer Zeit ab. Auch die Black Flags waren wütend und in manchen Momenten hasserfüllt, das aber nicht als Prinzip, noch weniger als Image. Sondern gegen jene, denen Missstände eindeutig nachzuweisen waren.

Mit der Rollins Band, die seit 1986 in wechselnden Besetzungen bis heute existiert, schuf er darüber hinaus einen neuen Musikstil, indem er die Brachialität des Hardcore mit der Schwere des Delta Blues vermengte. Hardcore und Blues? ‚Hardcore-Blues’ ist etwas, das keine andere Band dieser Welt kann. Vielleicht, weil, wer den Blues hat, noch etwas anderes haben muss: ein reines Herz.

Und jetzt? Jetzt etwas sehr Spezielles. Im Februar dieses Jahres hatte Rollins europaweit zu einer Handvoll Auftritte geladen, die waren Wochen vorher ausverkauft, jetzt legt er - wie gesagt, er folgt der Lust und seinem Herzen - 5 Abende nach. 5 individuelle Abende im ganzen Land, einer davon in Bochum, die „Travel Slideshow“ - ist was? Ein Diavortrag.

Einer nach Rollins Art, schwer kalkulierbar. Er hat sich durch Tausende seiner Reisefotos gewühlt und sie dramaturgisch gebündelt, das Ergebnis ist eine Tour de Force der Menschheit. Wird kein Spaziergang, dieser Abend: hier Krieg, dort Hoffnung, hier Krise, dort Aufbruch, dazu erzählt Rollins in seiner eigenen, sehr energetischen Weise von dem, was er erlebt hat und wer ihm begegnet ist, monatelange ist er durch Gegenden wie Bhutan und Nordkorea, Kuwait und Kirgisien, Syrien und Sri Lanka, Brunei und Mali gereist. Eher unwirtlich, der Prospekt, Rollins deutet, informiert, bezieht Position, er verquickt seinen eigenen Blick auf die Welt mit überraschenden Pointen und spontaner Stand-Up-Comedy.

Und dann passiert dies. Oder das. Er ist ein Performer, wie es ihn sonst nirgends gibt. Einer, der sein Publikum drei Stunden und länger fesseln kann. Bis in die letzte Reihe. Die Washington Post, ja nun wirklich keine Dorfzeitung, hat es so ausgedrückt:

„Wortkrieger, Überzeugungstäter, Provokateur, Humorist, selbst Motivations-Trainer: Was für ein wunderbar enthusiastisches und mitreißendes Geschnatter!“

„Was willst du denn? Mach Musik!“ Sagte Julia Hülsmann zu Julia Kadel, seitdem macht sie. Trio gegründet, erste Aufnahmen, die hört Till Brönner, der empfiehlt sie seiner Plattenfirma, die reicht sie an ihre Edel-Abteilung weiter, und so kommt es, dass das erste Album der völlig unbekannten Julia Kadel wo erscheint? Bei Blue Note.

Durchatmen. Blue Note hat Thelonious Monk veröffentlicht. Blue Note hat Herbie Hancock veröffentlicht. Blue Note hat Chick Corea veröffentlicht und Brad Mehldau, Miles Davis und Sonny Rollins und und und ... Julia Kadel.

Zweites Album: „Eine Offenbarung!“ Schreibt die Kritik, Das Trio - Julia Kadel am Piano, Karl-Erik Enkelmann am Bass, Steffen Roth an den Drums - bestätigt quasi aus dem Stand das Niveau, das mit dem Esbjörn Svensson Trio gesetzt worden ist und für das heute Michael Wollnys „(em)“ steht und das Tingvall Trio. Heißt: Null Retro-Jazz, keine Kunstfertigkeiten, keine Jazz-Etüden, sondern … ach, selber hören, unbedingt. Julia Trio ist anders als der Powerjazz von e.s.t., nicht so verrockt wie Tingvall, weniger akademisch als Wollnys (em), aber mit einem ebenso weiten Ausdrucksspektrum, genauso zupackend, melodiös, spielfreudig, ideenreich. Das Kadel Trio mag all diese Vergleiche nicht. Das muss man sich leisten können.

Sagen wir es also anders: Dieses Trio kann musikalische Stimmungen erzeugen, die wie eine creatio ex nihilo den Raum erfüllen, aber dann reitet es diese Stimmungen nicht wie ein Surfer seine Welle, sondern taucht in sie ein. Ob man das, was dann mit einem passiert, Jazz nennt oder nicht, das sei gar nicht wichtig, schrieb einer, „diese Klangwelt ist ziemlich offen. So als wäre all diesen Stücken eine unausgesprochene Empfehlung beigefügt: Taucht mit ein.“

Machen wir. Und dann ist da noch etwas, das Julia Kadel mit urban urtyp verbindet, sie kommt aus Kreuzberg. urban urtyp ist die Indie-Reihe an der Ruhr. 1 x im Monat immer sonntags 19 Uhr, immer 10 Euro, immer anders. uu ist ziemlich offen, um das Kadel-Lob zu zitieren, ist Jazz und Post, Elektro und Sprache, Klassik und Ambient und Pop und mehr. Stil, der sich keinem Stil verschreibt.

Das alles im Zentrum der Stadt in einem Raum, der Musik verdichtet: ein Kubus, 10 x 10 Meter groß, er wird für jedes urban urtyp-Konzert in den weiten Kirchenraum gestellt, es ist ein Hörraum.
Hören, was man nicht kennt. Oder wie Julia Kadel sagt: „Es ergibt keinen Sinn, etwas zu tun, das für mich keine Bedeutung hat.“

Indie Ambient Pop. Um es auf ein 3-Worte-Wort zu bringen. Fehlt allerdings das Wort Jazz. Und das Wort Klassik, diese Stimme ist klassisch geschult, sie spaziert durch vier Oktaven. „Hohe Singkultur“ hat RONDO ihr bescheinigt, das Klassik- und Jazzmagazin, „hohes Suchtpotential“ die SÜDDEUTSCHE.

Lea W Frey, geborene Berlinerin, singt unaffektiert. Sie bettelt nicht um Gefühle, wie es so viele andere tun im Pop, derzeit sind es vor allem die Männer, die den Schmerzensmann geben. Sie dagegen: kühl, klar, kristallin. Sie singt keine Töne von unten an, zerrüttelt sie in keinem Vibrato, lässt sie nicht selbstzerquält abschmieren - die ganzen Tricks, Gefühle vorzutäuschen, braucht sie nicht, Kate Bush hat sie auch nicht gebraucht. Kürzlich hat Lea W. Frey in der Berliner Philharmonie den Solo-Sopran von Beethovens Neunter gesungen.

Diese klassisch geschulte Klarheit und Souveränität der Stimme verschafft ihrer Band einen größeren Hörraum, sie muss die Stimme nicht tragen, es ist umgekehrt, die Stimme wird zu einem der Instrumente. Die werden von Profis erster Güte bedient: Drums und Drum Machine etwa von Andi Haberl, lange Jahre das rythmische Rückgrat von The Notwist, er hat die ganze Palette drauf, die von einem nuancierten Puls zu hypnotischen Patterns reicht. An Bass und Gitarre die Brüder Meyer, Bernhard und Peter, die mit ihrem Melt Trio die Jazz-Szene aufgemischt haben und auch hier eine subtil harmonische, kühl elektrifizierte Atmosphäre schaffen zusammen mit Liz Kosacks Synthie-Sounds, die klingen, als kämen sie nicht ganz von dieser Welt. Liz Kosack kam aus Brooklyn nach Berlin. Jetzt Bochum.

Im Oktober ist das dritte Album von Lea W Frey bei Yellowbird/Enja erschienen, eine Sammlung eigener Songs mit eigenartiger Stimmung: nicht verträumt, eher versponnen, nicht esoterisch, aber etwas entrückt. Expressiv, aber ungreifbar, romantisch wie das Eismeer und in etwa so zuversichtlich wie der Blick, den Björk und Sigur Rós auf diese Welt geworfen haben. Ein eisklares Bekenntnis zum Pop, auch zum Noise-Pop, auch zum Krautrock, zur Elektronik natürlich. Darum das 3-Worte-Wort: Indie Ambient Pop. Und diese 2: urban urtyp.

Ist die Indie-Reihe an der Ruhr. 1 x im Monat immer sonntags 19 Uhr, immer 10 Euro, immer anders. urban urtyp ist Jazz und Post, Elektro und Sprache, Klassik und Ambient und Pop und mehr. Stil, der sich keinem Stil verschreibt.

Das alles im Zentrum der Stadt in einem Raum, der Musik verdichtet: ein Kubus, 10 x 10 Meter groß, er wird für jedes urban urtyp-Konzert in den weiten Kirchenraum gestellt. Hören, was man nicht kennt, wir spielen mit unserer Neugier.

Prof. Ludwig Güttler, zählt als Solist auf der Trompete und dem Corno da caccia zu den erfolgreichsten Virtuosen der Gegenwart und genießt weltweit den Ruf des besten Bachtrompeters; zahlreiche internationale Preise zeigen seine hohe Anerkennung. Von 1969 bis 1980 war es in der gleichen Position Mitglied der Dresdner Philharmonie. Lehraufträge führten ihn an das internationale Musikseminar Weimar und an die Hochschule für Musik "Carl Maria von Weber" in Dresden, wo er bis 1990 eine Professur für Trompete innehatte. Seiner Forscher - und Entdeckerfreude ist es zu danken, daß die Konzertliteratur durch neue Ausgrabungen erweitert wird. Sein besonderes Engagement gilt außerdem, als Vorstandsvorsitzender, der Gesellschaft zur Förderung des Wiederaufbaus der Dresdner Frauenkirche. Mit KMD Friedrich Kircheis, seit vielen Jahren Orgel - und Cembalopartner von Ludwig Güttler, bestreitet er das Duo "Trompete - Orgel".

Friedrich Kircheis studierte ebenfalls an der Hochschule für Musik "Felix Mendelssohn - Bartholdy" in Leipzig, und legte dort 1964 das Staatsexamen ab. Nach einer Organistenstelle in Grimma kam er 1973 als Organist und Kantor an die Dresdner Diakonissenhauskirche, wo er bis heute hauptberuflich tätig ist. Seine Rundfunkaufnahmen und Schallplatteneinspielungen weisen nachdrücklich auf die Tradition der sächsischen Kirchenmusik hin, der sich Friedrich Kircheis verpflichtet fühlt.
(Foto: Juliane Njankouo)

Trompeter, Komponist, ein begnadeter. Und Sohn eines Begnadeten, sein Vater - Karlheinz Stockhausen war einer der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts - hat ihm den Weg eröffnet, den er dann mit seinem eigenen Navi gegangen ist. Die Augen offen, die Ohren und das Herz dafür, mit anderen Musik zu machen, die es noch nie gab. Eine Geschichte, die er erzählt, geht so:

„Als Dreizehnjähriger durfte ich eine 7-wöchige Reise mit meinem Vater nach Bali und Japan machen, wo er die Musik bei der EXPO ’70 in Osaka für den deutschen Pavillon konzipiert hatte. Das war die große Welt. Morgens streunte ich bei den 180 Pavillons aller Länder herum und sog Musik und kulturelle Eindrücke aus der ganzen Welt in mich auf, nachmittags hörte ich seine Musik, die von mehr als 20 Interpreten, auch mit viel elektronischer Musik, dargeboten wurde.“

Ein paar Jahre später ist er es selber, der Projekte mit führenden Musikern und Orchestern Europas an den Start bringt, ihre Zahl ist Legion, heute gilt Markus Stockhausen als einer der profiliertesten Trompeter weltweit. Weil er, das ist entscheidend, nicht zu denen zählt, die ihr Genre wie ein Revier abstecken, er ist kein Fachidiot des eigenen Stils, sondern hat sich seinen Weg quer durch den Jazz gesucht, quer durch die Klassik und querbeet durch die Neue Musik. Und hat dabei den nächst gelegenen Stromanschluss immer im Blick behalten: Elektronik ist auch nur ein anderes Wort für die Option, etwas Unerhörtes zu spielen, das noch nicht Gehörte. Die präzise notierte, detailgenaue Musik seines Vaters ebenso wie die spontane, lockere Improvisation:

„Den Jazz und die Improvisation hatte ich immer gleichzeitig mit Klassik und zeitgenössischer Musik gespielt. Der wunderbare Manfred Schoof war mein Lehrer für Jazz in Köln, und diese 'andere Art' mit dem Instrument umzugehen verlieh mir eine Sicherheit und Fähigkeiten, die mir bei der Musik meines Vaters halfen. In der Improvisation, frei von Noten, konnte ich Sachen spielen, die ich, wenn ich sie notiert gesehen hätte, nie hätte spielen können."

Damit ist Stockhausen zu einem Vorreiter geworden für eine der wichtigsten Entwicklungen in der Musik der letzten Jahrzehnte: dass die Grenzen zwischen Klassik und Jazz, letztlich die zwischen „u“ und „e“ eingerissen werden.In Bochum stellt der Kölner jetzt - er hat bisher über 80 Alben aufgenommen! - sein neuestes grenzüberschreitendes Werk vor: “Far into the Stars”, bei OKeh Records / Sony Music erschienen, präsentiert von Quadrivium, seinem Quartett, es sind:

Jörg Brinkmann (Cello), Angelo Comisso (Piano) und Christian Thomé (Drums).

Und natürlich auch wieder mit Strom, die Band arbeitet mit elektronischer Unterstützung. Einmalige musikalische Stimmungen entstehen, eine Synthese zwischen Jazz und Kunstmusik, zwischen Komposition und Improvisation, Tiefe und Weite, dabei immer leicht und immer auch leicht verspielt, vergnügt, unverbiestert.

Stefan Pieper auf nrwjazz.net - Christuskirche Bochum und NRW Jazz veranstalten den Abend gemeinsam: „Stockhausens Trompetenton strahlt vor sensibler Empfindung - und behält auch bei druckvoller, manchmal fast rockiger Gangart immer noch eine Prise Zartheit. Lange, weitgespannte Melodienbögen sind ein großes Thema bei ihm und seinen Mitstreitern. Vor allem Jörg Brinkmann erweist sich mit seinem einzigartigen Cellospiel als sphärischer und bei aller Virtuosität immer höchst feinfühlig bleibender Gegenpart. Mit Schlagzeuger Christian Thomé zeigt sich ein weiterer Musiker, auf den das Attribut 'empfindsam' zutrifft: Unter die Haut geht etwa, wie er minutenlang allein mit der Snaredrum zarte Mikrorhyhtmen zu atmosphärischen Teppichen verdichtet, auf deren Grundlage Jörg Brinkmann seinem Instrument einen entrückt-melancholischen Sologesang entlockt. Und mit Angelo Comisso macht ein Pianist die Runde komplett, der nie einen Ton zu viel braucht, um trotzdem auf den Punkt zu kommen."

Klingt zu gut um wahr zu sein? Klingt genau so, wir laden zum Hören live.

Der in Danzig geborene Diplomsänger MAXIM KOWALEW konnte sich schon im Elternhaus der Musik kaum entziehen. Schon im frühen Alter von sechs Jahren begann er an einer staatlichen Musikschule Geigenunterricht zu nehmen.

Sein Vater war Pianist und Klavierlehrer, seine Mutter Gesangslehrerin. Dadurch, daß sein Vater russischer Abstammung ist, wurde sein Interesse an der Kultur jenes großen Landes im Osten früh geweckt. Maxim Kowalews Mutter ist gebürtige Deutsche. Sie gab Ihm den Blick aus Westen mit auf den Weg.

Noch bevor er das professionelle Singen erlernte, bestaunte er als Kind die Erzählungen, Lieder und märchenhaften Geschichten der Völker des Ostens, besonders der Kosaken, welche ihn für sein weiteres Leben prägten. Damit stand für Maxim Kowalew schon früh fest, daß auch er Musik studieren und eine klassische Gesangsausbildung absolvieren würde. So begann er sein Gesangsstudium an einer der berühmtesten Musikhochschulen im Osten. Mit dem Magistertitel beendete er sein Studium an der Musikhochschule in Danzig. Dort erwarb er den akademischen Grad „Magister der Kunst“. Es dauerte nicht lange, bis er eine Vielzahl von Opernengagements erhielt und seine Popularität steil anstieg. Seine Karrierelaufbahn setzte er kurz danach in verschiedenen Chören und Volksmusikensembles fort. Ab 1983, nach dem Diplom und diversen Opernengagements, sang er in West-Europa, den USA und Israel. Er sang unter anderem in Ural- und Wolga Kosaken Chor. Er bereiste russisch-orthodoxe Klöster, um seine Kenntnisse im Bereich der östlichen Chormusik zu perfektionieren, und vertiefte sein Wissen im Unterricht des berühmten Dirigenten und Theologen Georg Szurbak in Warschau. Als großes Vorbild fungierte immer der berühmte Dirigent des Don Kosaken Chores Sergej Jaroff.

Erst nach seinen vielen internationalen Erfahrungen tat er 1994 den wohl entscheidendsten Schritt seines künstlerischen Lebens und sang in einem Chor, aus welchem sich später die MAXIM KOWALEW DON KOSAKEN herauskristallisierten. Jener Klangkörper läßt das musikalische Erbe der Kosaken in Westeuropa und Skandinavien auf technisch brillantem Niveau wieder aufleben. Maxim Kowalew sieht es bis heute als seine Aufgabe, die schönen russischen Melodien zur Freude des Hörers erklingen zu lassen und dadurch ein Zeugnis abzulegen vom Geiste jenes alten unvergänglichen Russlands, das oft über dem Tagesgeschehen in Vergessenheit gerät. Dabei ist Ihm auch wichtig, begabten Künstlern die Möglichkeit zu geben, ihr großes Talent an die Öffentlichkeit zu bringen.

Das Weltbeste der Gitarrenmusik

NACHT DER GITARREN versammelt die weltbesten Akustikgitarristen für Performances ihrer neusten Original-Kompositionen und zum musikalischen Austausch im Rahmen eines Konzertabends. Zu jeder Tour präsentiert Brian Gore eine neue Riege von Gitarren-Koryphäen, um diesen sehr speziellen Abend mit Solo, Duett und Quartett Performances mit zu gestalten und die Virtuosität und Vielfalt innerhalb der Akustikgitarren-Welt herauszustellen.

Für die anstehende Europa Tour im Oktober/November 2018 konnte Brian drei der besten Akustikgitarristen Europas verpflichten: Luca Stricagnoli, Antoine Boyer, Cenk Erdogan & Samuelito.

Posau­nist, Sän­ger, Pro­du­zent, einer der erfolg­reichs­ten Jazz­mu­si­ker Euro­pas. Vor allem aber ist Nils Landgren geseg­net mit dem Talent, musi­ka­li­sche Freundschaften zu schließen. Sein Traum: ein­mal ein Weih­nachts­fest zu fei­ern in der Gesell­schaft guter Freunde, mit einer Aus­wahl liebs­ter Lie­der, mit Stil und einer gelas­sen weih­nacht­li­chen Freude: Christ­mas with my fri­ends.

Den Traum erfüllt er sich - uns uns - in diesem Jahr zum siebten Mal. Mit Jonas Knuts­son am Saxo­phon, Johan Nor­berg an der Gitarre, Eva Kruse am Bass, Ida Sand am Kla­vier, sie ist auch eine der vier Sän­ge­rin­nen, die ande­ren drei sind: Sharon Dyall und Jes­sica Pilnäs und Jea­nette Köhn.

Alle sind sie Grö­ßen ihres Fachs, alle haben sie als Kin­der unterm Weih­nachts­baum gesun­gen und dabei diese beson­dere Erfah­rung gemacht: wie viel Schön­heit ent­ste­hen kann und wie viel Sinn, wenn man Leider spielt und singt. Alle zwei Jahre brechen sie nun gemeinsam auf, Zuhörer wie Kritiker hören mit staunenden Ohren ... "die allerallerallerschönste Weihnachtsmusik", schrieb DER STERN. Irgendwann wir ihr sechstes gemeinsames Album erscheinen mit einer neuen Mischung aus Traditionals und Coverversionen, wieder in dieser klaren, eindringlichen, sehr elemetaren Sprache der Weihnachtsmusik. Sie zu spielen ist das Allerschwerst, sie zu hören schöner als Glocken je klängen.