Selbe Insel und gleiches Alter, selbes Label und gleiches Niveau: Mammal Hands werden beharrlich mit Gogo Penguins verglichen und mit Portico Quartet. Das sind keine Vorschusslorbeeren, es ist ein Befund, warum? Weil ihre Musik genauso eigenständig ist, so unvorhersehbar, unverwechselbar.

Solche Unabhängigkeit beruht darauf, dass sie - genau wie Gogo Penguin, wie Portico Quartet - alle Farben, die sie nutzen, selber anrühren: Auch bei Mammal Hands sind dies Folk und Klassik, Spiritual Jazz und Elektronika, indische Sounds kommen dazu und dunkle Minimal Patterns, auch Sufi und Trance neben einigen Balkan-Vibes, man hört Steve Reich und Philip Glass und das Trällern von Singvögeln im Garten, man kann einmal dies und einmal das raushören, hat aber einfach keine Lust, diese Musik zu zerlegen, weil man längst selber Bestandteil geworden ist von ihr: Mammal Hands haben sich auf der Insel einen Ruf als hervorragende Live-Band erspielt.

Ihre Konzerte, heißt es, haben hypnotische Wirkung: sphärisch und elegant, dynamisch und mit dramaturgisch majestätischen Bögen. Und: Sie spielen jedes Konzert mit dem Anspruch, sich selber zu variieren, zu improvisieren, eben: zu spielen. Das klingt nach Gogo Penguin, ja, es klingt nach Portico Quartet, ja, es klingt ganz anders, es klingt wie Mammal Hands. Nick Smart am Piano, Jesse Barrett an Schlagzeug und den Tablas, Jordan Smart am Saxophon. Und das war es auch schon, kein Bass, keine Vocals, mehr als ein Trio braucht es nicht für die Musik des 21. Jahrhunderts.

Die drei stammen aus Norwich, sie selber nennen ihre Stadt „one of Britain’s most isolated and most easterly cities”, dort haben sie sich 2012 als Straßenmusiker kennen gelernt und sich dann - isoliert vom Mainstream und jenseits der angesagten Trends von London - einen eigenen Weg durch die Musikwelt gebahnt. Haben sich in tage- und nächtelangen Sessions zusammengespielt, das Improvisieren zum Alltag gemacht, ihre Ideen gemeinsam entwickelt und die Dynamik ihres Sounds aus ihrer Gruppendynamik heraus. Die Band als Lebensform? Ja, genauer: Die Welt als Trio.

Jesse, der Drummer, unterlegt die melodischen Linien mit indischem Groove, mit den komplexen rhythmischen Mustern seiner Tabla. Nick am Piano bringt die europäische Klassik ein und die Minimal Music des 20. Jahrhunderts. Jordan am Sax richtet sein Spiel aus am Ethno-Sound von Pharoa Sanders, sein Spiel schöpft aus afrikanischen Quellen und ebenso aus Coltranes Großstadt-Sound, und unterm Strich stammt dies alles aus Norwich, Norfolk, East of England.

Eine der aufregendsten Bands, die es zurzeit in Europa gibt, ein urban urtyp spezial. urban urtyp ist die Indie-Reihe dieser Stadt.

Trompeter, Komponist, ein begnadeter. Und Sohn eines Begnadeten, sein Vater - Karlheinz Stockhausen war einer der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts - hat ihm den Weg eröffnet, den er dann mit seinem eigenen Navi gegangen ist. Die Augen offen, die Ohren und das Herz dafür, mit anderen Musik zu machen, die es noch nie gab. Eine Geschichte, die er erzählt, geht so:

„Als Dreizehnjähriger durfte ich eine 7-wöchige Reise mit meinem Vater nach Bali und Japan machen, wo er die Musik bei der EXPO ’70 in Osaka für den deutschen Pavillon konzipiert hatte. Das war die große Welt. Morgens streunte ich bei den 180 Pavillons aller Länder herum und sog Musik und kulturelle Eindrücke aus der ganzen Welt in mich auf, nachmittags hörte ich seine Musik, die von mehr als 20 Interpreten, auch mit viel elektronischer Musik, dargeboten wurde.“

Ein paar Jahre später ist er es selber, der Projekte mit führenden Musikern und Orchestern Europas an den Start bringt, ihre Zahl ist Legion, heute gilt Markus Stockhausen als einer der profiliertesten Trompeter weltweit. Weil er, das ist entscheidend, nicht zu denen zählt, die ihr Genre wie ein Revier abstecken, er ist kein Fachidiot des eigenen Stils, sondern hat sich seinen Weg quer durch den Jazz gesucht, quer durch die Klassik und querbeet durch die Neue Musik. Und hat dabei den nächst gelegenen Stromanschluss immer im Blick behalten: Elektronik ist auch nur ein anderes Wort für die Option, etwas Unerhörtes zu spielen, das noch nicht Gehörte. Die präzise notierte, detailgenaue Musik seines Vaters ebenso wie die spontane, lockere Improvisation:

„Den Jazz und die Improvisation hatte ich immer gleichzeitig mit Klassik und zeitgenössischer Musik gespielt. Der wunderbare Manfred Schoof war mein Lehrer für Jazz in Köln, und diese 'andere Art' mit dem Instrument umzugehen verlieh mir eine Sicherheit und Fähigkeiten, die mir bei der Musik meines Vaters halfen. In der Improvisation, frei von Noten, konnte ich Sachen spielen, die ich, wenn ich sie notiert gesehen hätte, nie hätte spielen können."

Damit ist Stockhausen zu einem Vorreiter geworden für eine der wichtigsten Entwicklungen in der Musik der letzten Jahrzehnte: dass die Grenzen zwischen Klassik und Jazz, letztlich die zwischen „u“ und „e“ eingerissen werden.In Bochum stellt der Kölner jetzt - er hat bisher über 80 Alben aufgenommen! - sein neuestes grenzüberschreitendes Werk vor: “Far into the Stars”, bei OKeh Records / Sony Music erschienen, präsentiert von Quadrivium, seinem Quartett, es sind:

Jörg Brinkmann (Cello), Angelo Comisso (Piano) und Christian Thomé (Drums).

Und natürlich auch wieder mit Strom, die Band arbeitet mit elektronischer Unterstützung. Einmalige musikalische Stimmungen entstehen, eine Synthese zwischen Jazz und Kunstmusik, zwischen Komposition und Improvisation, Tiefe und Weite, dabei immer leicht und immer auch leicht verspielt, vergnügt, unverbiestert.

Stefan Pieper auf nrwjazz.net - Christuskirche Bochum und NRW Jazz veranstalten den Abend gemeinsam: „Stockhausens Trompetenton strahlt vor sensibler Empfindung - und behält auch bei druckvoller, manchmal fast rockiger Gangart immer noch eine Prise Zartheit. Lange, weitgespannte Melodienbögen sind ein großes Thema bei ihm und seinen Mitstreitern. Vor allem Jörg Brinkmann erweist sich mit seinem einzigartigen Cellospiel als sphärischer und bei aller Virtuosität immer höchst feinfühlig bleibender Gegenpart. Mit Schlagzeuger Christian Thomé zeigt sich ein weiterer Musiker, auf den das Attribut 'empfindsam' zutrifft: Unter die Haut geht etwa, wie er minutenlang allein mit der Snaredrum zarte Mikrorhyhtmen zu atmosphärischen Teppichen verdichtet, auf deren Grundlage Jörg Brinkmann seinem Instrument einen entrückt-melancholischen Sologesang entlockt. Und mit Angelo Comisso macht ein Pianist die Runde komplett, der nie einen Ton zu viel braucht, um trotzdem auf den Punkt zu kommen."

Klingt zu gut um wahr zu sein? Klingt genau so, wir laden zum Hören live.

Slowcore - die Bezeichnung mögen sie nicht, aber was ändert das, Low sind der Inbegriff für diese Spielart des Indie-Rock. Langsam, bisweilen sehr langsam, man lernt zu hören, wie man gelernt hat, eine Nahaufnahme zu entschlüsseln, die in Superzeitlupe läuft. Und entdeckt, welche Tiefen sich eröffnen, welche Gefühle sich darin verbergen, welche Intensität ein Klang entwickeln kann, dem man die Zeit gibt, die zwischen Werden und Vergehen liegt.

Klingt das pathetisch? Dann nüchterner: minimalistische, aber epische Arrangements, eine Liebe für Details, wunderbare Harmonien. LOW stammen aus Duluth / Minnesota, und wer einmal "Fargo" gesehen hat von den Coen-Brothers, hat eine Vorstellung davon, wie ihre Musik aussieht, würde man sie als Landschaft malen. Licht, Dunkelheit und etwas, das sich von einem zum anderen bewegt, so in etwa.

Und auch so eine Bewegung ergibt eine Entwicklung: Alan Sparhawk (guit) und Mimi Parker (voc, dr), die beiden Gründungsmitglieder von LOW - später kam Bassist Steve Garrington dazu - haben die Übergänge vom Dunkel ins Licht und wieder zurück jedes Mal etwas anders abgesteckt, sie arbeiten den Unterschied heraus, der zwischen Impression und Depression liegt - der Unterschied ist fein, aber einer ums Ganze - und machen dabei deutlich, dass es keinen Unterschied gibt zwischen melancholisch und dynamisch: Ihre Songs haben Handlung, und die kommt, um im Bild zu bleiben, wie in „Fargo“ voran, mal hier ein kurzes Wort, mal da ein Dialog, dazwischen bleibt viel Zeit, eigene Gedanken zu riskieren.

Elf Alben seit 1993, ihr neues Album „Double Negative“ erscheint im September, und dann rollen die Drei ihre Klang-Landschaft für drei Konzerte in Deutschland aus: in Berlin, in Leipzig, in Bochum.

Low | Double Negative - Tour 2018
präsentiert von Rolling Stone und Byte FM

Foto (c) Shelly Mosman

25th Anniversary Acoustic Tour 2018
Ulm, September 1993, aus einem Probekeller schallen verzerrte Gitarren,
wummernde Bässe und krachende Drums. Dazu singt eine junge Frau, die erst kurz
davor aus Prag nach Deutschland gekommen war, schüchtern ein paar Töne.
Die Geburtsstunde von Die Happy!
Aus dem anfänglichen Krach entsteht schon bald ein eigener Musikstil, der sich
„Popcore“ nennt, doch erst sieben Jahren später stürmt die Band damit die Rock-
Charts und sämtliche kleinen und großen Bühnen des Landes!
Ein Vierteljahrhundert später blicken Marta und ihre 3 Männer auf eine aufregende
Reise zurück, mit Höhen und Tiefen und jeder Menge Rock’n Roll!
„Wenn mir damals einer erzählt hätte, ich würde im Jahr 2018 noch immer mit den
Jungs auf der Bühne auf und ab springen, hätte ich ihn für verrückt erklärt“ sagt
Marta „aber 25 gemeinsame Jahre haben uns extrem zusammengeschweißt und die
Band ist für uns wie eine zweite Familie“.
Auch wenn Marta inzwischen wieder in ihrer Heimatstadt Prag lebt, wo sie auch als
Fernsehmoderatorin bekannt ist und die restlichen Bandmitglieder in diversen
anderen Projekten aktiv sind, wird die Band nach weit über 1000 Konzerten und
zahlreichen Studio- und Live-Alben nicht müde, immer weiter zu touren.
„Wir hören nicht auf Konzerte zu spielen, bis wir die Stones eingeholt haben,“
behauptet Drummer Jürgen schmunzelnd. Naheliegend, dass die Band ihr 25-
jähriges Jubiläum mit weiteren Konzerten zelebriert.
„Für uns wird diese Tour eine musikalische Zeitreise, gemeinsam mit verschiedenen
Gastmusikern werden wir Songs aus allen Alben neu interpretieren und sogar auch
neue, noch unveröffentlichte Songs spielen, ein kleiner Blick in die Zukunft also“,
verrät Gitarrist Thorsten.
„Wir feiern mit dieser Tour unsere silberne Band-Hochzeit und freuen uns wenn alle
Fans, Freunde und Wegbegleiter mit uns feiern. Marta wird mit Sicherheit so manch
alte Geschichte auspacken, das könnte abendfüllend werden“ prophezeit Bassist
Ralph.
Das klingt nach einem besonderen Konzert-Event, das sicher nicht nur eingefleischte
Die Happy-Fans begeistern wird.

Nebenan in Frankreich ist er ein Star: attraktiv, charmant, samtweiche Stimme. Ein Womanizer, würde man auf Amerikanisch sagen, ein charismatischer Sänger: Sébastien Lemoine ist mit dem Quartett Les Stentors bekannt geworden, das er — selber ein ausgebildeter Opernsänger — 2010 gegründet und mit ihm Erfolge über Erfolge gefeiert hat. Ihr Debütalbum „Voyage en France“ belegte im Sommer 2012 drei Wochen Platz 1 der französischen Charts, mittlerweile haben Les Stentors mit ihren 4 Alben über eine Million CDs in Frankreich verkauft.

Und jetzt: sein Solo. Titel: „Chanson Francaise“. Und da muss man etwas ausholen: Das französische Chanson ist nicht zu vergleichen mit dem, was man in Deutschland Volkslieder nennt, es ist eine eigene Gattung. Eine, die auf dieser Seite des Rheins kaum wer mit Gefühl zum Leben erwecken kann, man könnte vielleicht ein paar Songs von Reinhard Mey nennen, von Kaus Hoffmann, in manchen Momenten auch Element of Crime. Aber was wäre das gegen die Namen, die auf der anderen Seite des Rheins chansonieren: Jacques Brel! Gilbert Bécaud! Charles Aznavour! Édith Piaf! Yves Montand und Georges Moustaki und Serge Gainsbourg und Dalida und Charles Trenet und Guy Béart und Jean Ferrat und Georges Brassens und … um nur einige zu nennen. Das französische Chanson ist so französisch wie Baguette, es begegnet einem auf Straßen und auf Bühnen, im Konzertsaal und der Kneipe, es erzählt die Dramen des Alltags und von Gefühlen, die jeder kennt, für die man aber keine Sprache findet. Das Leben ist kein Chanson, sicher nicht, aber das Chanson ist das Leben, das eigene.

Mit diesen Liedern also, diesen Gefühlen und ihren Intensitäten ist Sébastien Lemoine aufgewachsen. Ihn bewegen Chansons mit ihrer Seele und Emotionalität. Aus eben diesem Grund ist Jacques Brel einer seiner Lieblingsinterpreten, auf Lemoines Solo-Album finden sich drei Interpretationen von legendären Brel-Stücken: „Amsterdam“, das Lemoine — er hat auf der Schule Deutsch gelernt — auch auf Deutsch singt; „Vesoul“ und der Welterfolg „Ne Me Quitte Pas“.

Mit den Welthits „L été Indien“ von Tuto Cutugno, „Les moulins de mon coeur“ von Michel Legrand, Barbaras schwermütiges „L‘ aigle noir“, Léo Férrés melancholisches Meisterwerk „Avec le temps“ und Jacques Dutroncs unsterbliches „Il est cinq heures, Paris s’éveille“ sind noch weitere große Chansons auf dem Album zu finden, die in ihrem modern gewebten Gewand wie neu erstrahlen.

Die andere Hälfte des Albums aber bestimmen eigene Kompositionen. Der Bariton und Komponist hat sich mit dem Produzenten René Möckel zusammen getan, um für das traditionelle französische Chanson eine heutige Form zu finden. „Mirage“ beispielsweise ist eine mächtige, orchestral unterbaute Abschiedsballade, die Lemoine inzwischen zu seinen Lieblingsliedern zählt.

„Chanson Francaise“ ist ein Album, das Brücken schlägt, das dem Chanson neues Leben einhaucht. Lange war es in Deutschland ruhig um dieses Genre, das ändert sich gerade. Das französische Lebensgefühl — es ist ein europäisches — kehrt zurück. Und die Christuskirche ist wie gebaut dafür: Ihre Akustik hebt die einzelne Stimme über sich selber hinaus.

Das Eine sind: die unbeugsamen Beats von Drummer Demian, minimalistisch, aber maximal durchdacht. Das Andere: die Intensität der Stimme von Inéz, dazu die melancholischen Sounds, die sie kreiert. Ätnas Musik lebt aus ihren Kontrasten. Electro-Pop ohne postmoderne Beiwerk. Keine Geschenkschleifen und keine Ornamente, Ätna ist musikalische Essenz.

Vor einigen Jahren sind sich Inéz und Demian auf einer 90er-Jahre-Party an der Musikhochschule in Dresden begegnet, stellten fest, dass sie die selben Helden mögen - Enya, Thom Yorke, Prodigy - gründeten ihre Band und fanden, großes Glück, Moses Schneider als Produzenten, der hatte gerade AnnenMayKantereit ganz nach vorne gebracht.

Ätnas Songs sind Pop-Hymnen, nie überzuckert, nie brachial, aber doch voller Emotion, behutsam entfaltet. Ihre erste EP, „ÄTNA“ benamt, sorgt derzeit für Begeisterung in der Popkritik, ihre erste Tour führt sie quer durch Europa über Rotterdam und Istanbul und Köln und jetzt nach Bochum.

Das Weltbeste der Gitarrenmusik

NACHT DER GITARREN versammelt die weltbesten Akustikgitarristen für Performances ihrer neusten Original-Kompositionen und zum musikalischen Austausch im Rahmen eines Konzertabends. Zu jeder Tour präsentiert Brian Gore eine neue Riege von Gitarren-Koryphäen, um diesen sehr speziellen Abend mit Solo, Duett und Quartett Performances mit zu gestalten und die Virtuosität und Vielfalt innerhalb der Akustikgitarren-Welt herauszustellen.

Für die anstehende Europa Tour im Oktober/November 2018 konnte Brian drei der besten Akustikgitarristen Europas verpflichten: Luca Stricagnoli, Antoine Boyer, Cenk Erdogan & Samuelito.

Ein Cartoonist auf der Bühne? Was macht der da? Was jeder gute Komiker auch tut: die Zuschauer zum Lachen bringen!

Ralph Ruthe, preisgekrönt mit mehreren Cartoon- und Kurzfilmpreisen, verbindet in seiner Show Shit happens! einzigartig die Elemente Comedy, Animationsfilm, Lesung und Musik zu etwas völlig Neuem. So gibt es in seinen Live-Shows nicht nur das Beste seiner Cartoons in ganz neuen Zusammenhängen zu sehen. Seine Fans dürfen sich auch immer auf Weltpremieren neuester Folgen von Ruthes Erfolgsserie „Flossen“, „HNO-WG“, „Biber und Baum“ und den „Werbeparodien“ freuen.

Am Ende geht das Publikum einfach nur mit dem guten Gefühl nach Hause, viel Spaß gehabt zu haben und mehr zu wissen über die Arbeit eines Cartoonisten.

Pressetext Peter Murphy und David J

Seit über vier Jahrzehnten aktiv hat sich Peter Murphy zwischen Post-Punk,
Gothrock und Anderem immer wieder neu erfunden. Als Frontmann der
hochgelobten Band Bauhaus machte er den Weg frei für gedämpfte Stimmung
und Atmosphäre in der musikalischen Landschaft des Post-Punk.

In den späten Siebziger und frühen Achtziger Jahren waren Peter Murphy und
seine Band Bauhaus neben Acts wie den Joy Division, Siouxsie And The Banshees
und The Cure wegweisend für die Post-Punk-, Darkwave- und Gothic-Szene. Ihr
größter Hit „Bela Lugosi Is Dead“ gehört längst zu einem der maßgeblichen
Songs des Genres.

Gegründet 1978 im englischen Northampton von Peter Murphy, David J und zwei
weiteren Kunststudenten, übernahm man den Namen der Weimarer Kunst- und
Designschule, die der Deutsche Walter Gropius 1919 gegründet hatte. Die 1979
erschienene Debütsingle „Bela Lugosi Is Dead“ wurde gleich ein Hit und die
folgende Radio-Session mit John Peel begründete den legendären Ruf von
Bauhaus.
Am 1. Oktober 1980 wurde schließlich das Debutalbum „In The Flat Field“ auf
dem legendären Label 4AD veröffentlicht, das nun – fast vierzig Jahre später –
auch den Kern der Konzertabende bilden wird: In voller Länge wird das
Kultalbum live dargeboten von Peter Murphy, dem Originalbassisten David J
sowie ihren Mitmusikern. Anschließend öffnet sich das Konzertprogramm und
Bauhaus-Songs aus allen künstlerischen Schaffensphasen bilden die verlängerte
Zugabe für die Fans.

Man sollte es nicht verpassen, wenn Peter Murphy zusammen mit David J und
Band in diesem Herbst auch vier deutsche Städte beehrt und den Spirit des
Achtziger Jahre Goth-Punks einmal mehr aufleben lässt.

Die Fans erwartet erneut ein musikalisches Fest mit Liedern von GENESIS, STILTSKIN, seiner Solokarriere und einigen neuen Liedern.

Ray Wilson, der vom „Classic Rock Magazin" als einer der erstklassigsten Sänger Großbritanniens ausgezeichnet wurde, ist bekannt für seine starke

Bühnenpräsenz und begeisternden Auftritte. GENESIS CLASSIC verspricht ein einzigartiges Konzerterlebnis für jeden, der gute Live-Musik zu schätzen

weiß. Die Show 2017 in Bochum ist ausverkauft, jetzt kommt die Zusatzshow in 2018 !

Weihnachten mit Marshall & Alexander

Marshall & Alexander schreiben seit 2004 eine einzigartige Erfolgsgeschichte mit Kirchenkonzerten. Ohne Pomp gestalten sie mit ihrer Kunst unvergessliche Momente. Damit kreieren die beiden großartigen Künstler in der Tat ein Kontrastprogramm zu allem Lauten, Schrillen des täglichen Lebens.

Nach über 500 regelmäßig ausverkauften Weihnachtskonzerten und Kirchenkonzerten mit geistlicher Musik präsentieren Marc Marshall und Jay Alexander passend zum Jahresausklang 2016 ein neues Weihnachtsprogramm:

Eine Komposition aus traditionellen Weihnachtsliedern und Liedern die inhaltlich die Dimension des Weihnachtsfestes in sich tragen. Themen wie Liebe, Frieden, Respekt werden musikalisch und in Gedichten und Texten ihren Platz haben. Dadurch wird dieses Konzert nicht nur eine Einstimmung auf Heiligabend. „Es ist uns besonders wichtig, dass die christliche Haltung mehr und mehr über die Weihnachtszeit hinaus Bestand hat. Nächstenliebe sollte immer Hochsaison haben“, so Marc Marshall.

Insgesamt über 5 Millionen Zuschauer haben das alljährliche große Weihnachts-TV-Special von Marshall & Alexander im ZDF in den vergangenen Jahren fasziniert verfolgt. „Es ist eines der schönsten Gefühle, in Kirchen aufzutreten. Wir genießen es sehr, auf ein Publikum zu treffen, das Ohren, Augen und die Herzen geöffnet hat. So erleben wir nun seit Jahren gerade mit sakraler Musik immer wieder große Momente“, erklärt Marc Marshall. „Und so kehren wir alle beseelt in den Alltag zurück“, ergänzt Jay Alexander.

Mit den CD’s GÖTTERFUNKEN und PARADISUM erreichten Marshall & Alexander weit über 350.000 Besucher. Die Alben waren lange Zeit auf Platz 1 und Platz 2 der Deutschen Klassik-Charts und haben schon mehr als 200.000 Einheiten verkauft.

Begleitet werden die Ausnahmesänger von ihrem musikalischen Trio an Harmonium, Querflöte/ Klarinette und klassischer Gitarre.

Posau­nist, Sän­ger, Pro­du­zent, einer der erfolg­reichs­ten Jazz­mu­si­ker Euro­pas. Vor allem aber ist Nils Landgren geseg­net mit dem Talent, musi­ka­li­sche Freundschaften zu schließen. Sein Traum: ein­mal ein Weih­nachts­fest zu fei­ern in der Gesell­schaft guter Freunde, mit einer Aus­wahl liebs­ter Lie­der, mit Stil und einer gelas­sen weih­nacht­li­chen Freude: Christ­mas with my fri­ends.

Den Traum erfüllt er sich - uns uns - in diesem Jahr zum siebten Mal. Mit Jonas Knuts­son am Saxo­phon, Johan Nor­berg an der Gitarre, Eva Kruse am Bass, Ida Sand am Kla­vier, sie ist auch eine der vier Sän­ge­rin­nen, die ande­ren drei sind: Sharon Dyall und Jes­sica Pilnäs und Jea­nette Köhn.

Alle sind sie Grö­ßen ihres Fachs, alle haben sie als Kin­der unterm Weih­nachts­baum gesun­gen und dabei diese beson­dere Erfah­rung gemacht: wie viel Schön­heit ent­ste­hen kann und wie viel Sinn, wenn man Leider spielt und singt. Alle zwei Jahre brechen sie nun gemeinsam auf, Zuhörer wie Kritiker hören mit staunenden Ohren ... "die allerallerallerschönste Weihnachtsmusik", schrieb DER STERN. Irgendwann wir ihr sechstes gemeinsames Album erscheinen mit einer neuen Mischung aus Traditionals und Coverversionen, wieder in dieser klaren, eindringlichen, sehr elemetaren Sprache der Weihnachtsmusik. Sie zu spielen ist das Allerschwerst, sie zu hören schöner als Glocken je klängen.

Fotocredits: STAUBKIND

HÄNDEL | MESSIAH

Maria Bernius | Sopran
NN | Alt
Georg Poplutz | Tenor
Klaus Mertens | Bass

Stadtkantorei Bochum
Harmonie Universelle - auf historischen Instrumenten
KMD Arno Hartmann, Dirigent

Sie kommen aus New York und tragen ihren Namen zu Recht: Allein in Deutschland haben mehrere hunderttausend Fans eines ihrer Konzerte live gesehen. In der Christuskirche Bochum allerdings geben sie - das sagen sie selber - ihre Heimspiele. Voller Energie und Stimmgewalt, voller Hingabe zu Gott, voller Weihnachtsfreude. Im fröhlichen Vertrauen darauf, dass Gott die Welt geschaffen hat, um uns zu unterhalten.