Elektrisierende Rockshow trifft auf bluesigen Film Noir-Mood! Daniel Welbat hat „eine Stimme, die Autos entlackt!“ und singt, als hätte er Jahre in den dunkelsten Bars der Hamburger Reeperbahn abgehangen. Mit seiner fünfköpfigen Band bringt der extrovertierte Frontman seine fulminante „Rock Noir - Show“ auf die Bühne, die Publikum wie Presse begeistert.
Man bekommt das Gefühl, mitten in einen Tarantino-Soundtrack katapultiert zu werden, während einen der besessene Showman mit viel Witz und Verve immer tiefer in die faszinierend-„glamourös-staubige“ Kunstwelt von WellBad hineinführt.
Beim legendären Montreal Jazzfestival in Kanada, auf der Beale Street in Memphis (USA) oder im europäischen Ausland: WellBads Auftritte werden international regelrecht gefeiert.
"Ce diable d´homme évolue et propose un univers qui voisine ceux de Tom Waits et de Nick Cave." -LEDEVOIR (Montreal)

("Dieser Tausendsassa lässt ein Universum entstehen, das mit dem von Tom Waits und Nick Cave zu vergleichen ist")
Anfang 2023 erscheint das neue Album mit dem die Band im Anschluss auf Tour geht. Man
darf gespannt sein!

Daniel Welbat (voc, g), Joachim Refardt (tr, keys), Stefan Reich (b), Arne Vogeler (g), Jonas vom Orde (dr)

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„Einheit in Vielfalt!“, lautet der Flaggenspruch der Multi- Kulti- Reggae- Weltmusikband
„UNOJAH".
Inspiriert durch den Sufismus, einer mystischen Strömung des Islam, mixt die Band einen bunten Cocktail aus Reggae, Latin, Pop, Hip Hop, Oriental und Weltmusik mit spirituellen Texten in vielen Sprachen und serviert uns so eine musikalische Hommage an die Vielfalt.
In Zeiten wachsender Fremdenfeindlichkeit zeigen die Jungs von UNOJAH, dass eine Mischung aus Unterschieden funktionieren kann. Denn nicht trotz, sondern gerade wegen ihrer Vielfalt entsteht etwas Aufregendes und Neues.
Die Mischung funktioniert und die Botschaft kommt an. Egal ob in der ausverkauften Carl-Benz-Arena in Stuttgart im Rahmen des evangelischen Kirchentages; auf den Straßen des Londoner Szeneviertels Camden Town; in der andalusischen Stadt Granada; oder auf einem Sufi Festival in Sétif, im Herzen der algerischen Sahara.
UNOJAH weiß das Publikum zu begeistern und nimmt es mit auf eine Reise um die Welt.

Musiker:
Chaldun Schrade - Gesang, Gitarre
Joshua Hengstler - Key’s, Gitarre, Vocals
Arturo Mendivil - Bass, Vocals
Nicolas Carton - Sax, Flute
Max Büttner - Drums

„What comes next, what comes at last?“-The driven man-ist einer von Toms meistgespielten Songs im Netz, eine Art Blaupause für seine energetische und doch stets auch zerbrechliche Singer/Songwriter Musik. Seit über einer Dekade veröffentlicht Tom seine vornehmlich englischsprachigen Tracks, hat viel gehört und gesehen, zahlreiche Orte bereist und Bühnen bespielt, viele treue Hörer um sich versammelt und dabei immer die Authentizität seiner Musik in den Mittelpunkt gestellt. Gekünstelte Posen sucht man hier vergebens, das ganz echte Leben mit seinen großen und kleinen Dramen ist Toms Treibstoff, um immer weiter zu gehen. Kein Schielen nach Trends, das Treffen von eigenen Entscheidungen, losgelöst von Erwartungen. Seine Songs sind das was sie sind.

Ob sie Gefallen finden oder nicht liegt dann im Ohr des Hörers. Und das ist gut so. „Musik ist für mich so komplex wie unser menschliches Nervensystem, ich habe in dieser zurückliegenden Dekade unzählige Emotionen wie auch Komplikationen hautnah erlebt. Euphorie, Adrenalin, Aufbruch, Stillstand, dunkle Täler und lichtdurchflutete Weiten. Der Weg ist das Ziel, und das Ziel ist erreicht: Ich gehe meinen eigenen Weg.“ Ein Getriebener, der es braucht, seine sparsam inszenierten Lieder und eindringlichen Geschichten dahinter in der immer wieder einzigartigen Live-Situation mit dem Publikum zu teilen. Dieses wiederum schätzt seine Präsenz, sein Spiel und sein besonderes Organ, das unter all den vielen Talenten immer klar identifizierbar und erkennbar bleibt. „Die schönste und traurigste Stimme Berlins“ hat radioeins ihn einst betitelt, selten kam ihm eine Beschreibung so nahe.

Tom Lüneburger (voc, g)

http://tomlueneburger.com/

Die populäre und mit Preisen ausgezeichnete Band bringt ein neues Album an den Start: „Come On In“. Intensiv wie gewohnt, lässt es auch Raum für Melancholie. In über 1.000 Konzerten in 21 Ländern hat diese dynamisch swingende und hochgelobte Formation das Publikum zum Lächeln und zum Tanzen gebracht. Denn das kann der Blues: die Probleme des Lebens mit seinen Grooves vertreiben. Der Frontmann weiß dies besser als viele andere, und auf dem zehnten Album – mit seinem einladenden Titel „Come On In“ – geht er Themen wie sein eigenes Alter oder die politische Realität an.
In diesem Sinne symbolisiert der Titel alles, wofür Thorbjørn Risager & The Black Tornado stehen. Dazu Thorbjørn: „Einige Leute meinen, der Blues sei traurig, weil er nach der Farbe der Melancholie benannt und aus der Musik der Sklaven in den USA entstanden ist. Aber man muss bedenken, dass dies eine Musik war, zu der sich die Leute versammelten, wenn sie die Mühen ihres Alltags vergessen wollten. Der Blues wurde bei festlichen Anlässen gespielt und war Tanzmusik. Und diese Tradition würde ich gerne weiterführen: eure Probleme durch unsere Musik erträglicher zu machen, damit ihr mit einem Lächeln auf euren Lippen nach Hause gehen könnt.“
Auch 2019 arbeiten die Musiker noch immer auf die gleiche Art und Weise, wie sie begonnen haben. Thorbjørn Risager sitzt zu Hause mit seiner akustischen Gitarre und entwickelt die Grundstruktur eines Songs, bevor sie ins Studio gehen, wo die anderen Vorschläge für Grooves, Basslinien, Bläsersätze, Backgroundgesang oder Fills machen. All das ergibt einen Sound, der einem das Gefühl gibt, alles drehte sich um Risagers Stimme.
Ihr undogmatischer und innovativer Umgang mit dem Blues kombiniert diesen mit Elementen aus anderen Genres wie Funk, Gospel, Soul oder Rock’n’Roll. Dabei hängt alles vom Feeling und der Ausrichtung des jeweiligen Songs ab. Eine weitere Nuance steuern auf dem neuen Album die melancholischen Songs mit akustischer Gitarre bei. Das hat sich instinktiv so ergeben, da sein Blues hier reflektiert, wo Risager aktuell in seinem Leben steht.
„Der Blues gibt mir die Möglichkeit, Dampf abzulassen. Und dieses Mal habe ich einige Songs geschrieben, in denen es um meine Zweifel geht, ob ich in meinem Leben alles richtig gemacht habe. Allerdings geht es bei meinem Songwriting auch immer um das Licht am Ende des Tunnels. Was wiederum bedeutet: die Zähne zusammenbeißen und sagen: ‚Ich mache einfach weiter’.“
„Never Givin’ In“ ist genau so ein Song, während es in „Last Train“ um die Problematik geht, sich zu sehr mit sich selbst zu beschäftigen. „Nobody But The Moon“ zeigt Thorbjørn Risagers selten artikulierte politische Seite, wenn dort die Frage gestellt wird: Wer hat die Kinder gesehen, die im Mittelmeer ertrunken sind, und wer hat ihre Schreie gehört? Worauf als Antwort folgt: Niemand außer dem Mond.
Bei aller Ernsthaftigkeit betont der Titelsong „Come On In“ das erbauliche Gefühl der Gemeinsamkeit, das Thorbjørn Risager & The Black Tornado schaffen wollen. Hier geht es um eine Bar, wo jeder willkommen ist, und Risager hat den Song mit der Kopenhagener Mojo Blues Bar im Hinterkopf geschrieben. Denn: „Dort sind wir groß geworden und viele von uns haben ihre Freundinnen da kennengelernt.“
Einige Bands schaffen den Durchbruch und das war es dann auch schon. Andere geben auf, wenn sich der Erfolg nicht schnell genug einstellt. Und dann gibt es noch diejenigen, die sich mit Leib und Seele dem Musikmachen verschrieben haben und die beständig an Popularität gewinnen, indem sie ihre hohen Standards über die Zeit beibehalten. Zu dieser letzten Kategorie zählen auch Thorbjørn Risager & The Black Tornado. Sowohl in Dänemark als auch im Ausland wird man sich immer mehr der Explosivität ihrer Konzerte bewusst, in denen Gitarre, Bass, Schlagzeug, Orgel und Bläser Risagers kraftvolle Stimme umkreisen, die Kritiker bereits zu Vergleichen mit Ray Charles und Joe Cocker angeregt hat.
Den Blues hat Thorbjørn Risager im Blut, seit er als Zehnjähriger etwas für ihn absolut Magisches gehört hat. Bei ihm zu Hause in Jyllinge legten seine Eltern, die beide Musik unterrichteten, nur Klassikplatten auf, aber im Nachbarhaus eröffnete sich ihm eine neue Welt. Thorbjørn war noch zu jung, um die Wurzeln dieser Musik zu verstehen, all das Elend und den großen Schmerz, aber eben auch die Euphorie, wenn man sich diesen aus dem Hals sang. Er wusste lediglich, dass er sie zu sich nach Hause mitnehmen musste. Also besorgte er sich Kassetten mit dieser exotischen Musik und schlief über Jahre hinweg zu den Sounds von
Fats Domino und Muddy Waters ein.

Thorbjørn Risager (voc,g) Emil Balsgaard (p, organ) Joachim Svensmark (g), Kasper Wagner (sax), Hans Nybo (sax), Peter Kehl (tr, tb), Søren Bøjgaard (b), Martin Seidelin (dr)

https://risager.info/

Volle Breitseite Ska – damit sind The Slapstickers 1995 an den Start gegangen. Auf unzähligen Festivals und Clubgigs teilten sich die Jungs die Bühne mit Größen wie u.a. Madness, The Toasters und The Skatalites. 10 Alben sind ganz nebenbei auch noch entstanden.

In 25 Jahren ist sich die Band immer treu geblieben: Die acht Kölner liefern eine Show ab, in der das Publikum, fette Bläser, sweete Melodien und ein brettharter Groove im Mittelpunkt stehen. 

See you at the next gig!

Wenn von Blues „made in Germany“ die Rede ist, kann man eigentlich nur die Bluesanovas meinen. In den vergangenen Jahren erarbeitete sich das Quintett den Status eines absoluten Live-Geheimtipps und konnte Fans wie Kritiker gleichermaßen von ihrem Retro-Stil überzeugen. Ihr guter Ruf eilte den dreifachen „German Blues Award“-Gewinnern voraus, und so ist es eigentlich kaum verwunderlich, dass niemand geringerer als Eric Clapton die fünf Münsteraner für seine Deutschlandtour 2022 als Supportact einlud. Mit ihren bislang zwei veröffentlichten Alben und einer EP – die sie im legendären Sun-Studio in Memphis aufnahmen und produzierten – kann der Fünfer auf den großen Bühnen der Republik aus allen Vollen schöpfen und beweisen, zu was Blues „made in Germany“ fähig ist: Musik, die sofort übers Ohr ins Bein geht.

Den Titel für ihr aktuelles Album hat Stephanie Lottermoser genau richtig gewählt: „This Time“. Denn dieses Mal, so viel ist gewiss, steht dem ganz großen internationalen Durchbruch nichts mehr im Wege. Alles richtig gemacht: Herausragende Kompositionen, packende Beats, einfühlsame Texte, einen grandiosen Produzenten an Bord, ebenfalls vorzügliche Begleitmusiker. Angesiedelt sind die zehn Lieder im so weiten wie inspirierenden Landstrich zwischen Jazz und Pop. Es war ein langer Weg hin zu diesem Opus Magnum, stetig mit dem Blick nach vorne. Und jetzt ist die aparte, vor allem aber extrem talentierte Musikerin aus dem beschaulichen oberbayerischen Ort Wolfratshausen definitiv am Ziel angelangt, mit Meisterstück „This Time“. Diese Platte ist bereits das vierte Werk der 34-jährigen. „Die vielleicht wichtigste Veränderung im Vergleich zu den Vorgängern“, erklärt Stephanie: „Es ist die erste Scheibe, bei der ein „richtiger“ Produzent an Bord war.“ Dabei handelt es sich um den „Grammy“-nominierten MultiInstrumentalisten Steve Greenwell, der im außerhalb von New York gelegenen Asbury Park ein nach ihm benanntes Studio besitzt und schon mit Koryphäen wie Joss Stone, Diane Birch oder James Maddock gearbeitet hat. Lottermoser hat „This Time“ zu Hause vorproduziert, war via Skype regelmäßig in Kontakt mit Greenwell, hielt ihn auf dem jeweils aktuellen Stand der Dinge. Mitte April 2017 flog der New Yorker von seiner Heimat aus nach Paris, wo er sich mit Stephanie und deren vierköpfiger Band vier Tage lang in den traditionsreichen Pariser „Studios Saint Germain“ zum Aufnehmen verbarrikadierte. Einen Monat später reiste Stephanie nach New York, um dort mit Steve zusammen innerhalb einer Woche ihre Gesangs- und Saxophon-Spuren einzuspielen. Heraus gekommen ist mit „This Time“ ein Ausnahmewerk, das sich ganz in der Tradition von Lottermosers Allzeit-Idolen Branford Marsalis, Candy Dulfer, Joshua Redman, Tower Of Power, Jamie Cullum, Norah Jones und allen voran Dexter Gordon messen kann. Neun der Songs stammen aus Stephanies Feder, der letzte Track ist ein Mash-Up aus dem Jazz-Standard „Freedom Jazz Dance“ von Eddie Harris und der von Sly & The Family Stone stammenden, beinahe 50 Jahre alten Hippie-Hymne „Everyday People“, die seit jeher für ein menschliches Miteinander wirbt. Nachdem die Produktion abgeschlossen ist und man sich auf einen Veröffentlichungstermin von „This Time“, den 2. Februar 2018, festgelegt hat, geht es jetzt in Phase Zwei, um auf die Platte in der Öffentlichkeit hinzuweisen. Es ist Stephanies liebste Phase, denn „schon bald bin ich wieder auf Tour“, freut sie sich wie ein Kind. „Ich muss einfach raus auf die Bühne. Ich könnte dort jeden Abend stehen und spielen. Sie ist meine eigentliche Heimat.“

Stephanie Lottermoser (voc, sax), Till Sahm (keys), Lars Cölln (git), Thomas Stieger (b), Felix Lehrmann (dr)

https://www.stephanielottermoser.com/

Die deutsch-afghanische Sängerin und Komponistin Simin Tander beweist erneut, dass sie zu den spannendsten Musikerinnen der europäischen Jazzszene zählt. Gesungen auf Englisch und Paschtu/Afghaani, entwickelt ihr sowohl zartes als auch kraftvoll-warmes Timbre einen Sog, eine leise Intensität, die man selten erlebt.

Schon vor einigen Jahren wurde sie für ihr Album Where Water Travels Home von der internationalen Presse begeistert gefeiert. Fast noch überschwänglicher fielen die Reaktionen auf die bei ECM erschienene TrioProduktion What Was Said von Tord Gustavsen und Tander mit Jarle Vespestad aus, die den Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik erhielt. „Tander is both arresting and hypnotic“, schrieb das britische Jazzwise Magazine und das österreichische Alpenfeuilleton lobte ihre „zurückhaltende Virtuosität und immense emotionale
Tiefe“, während sich Hifi Test von „Klarheit und Mystik“ in ihrer Stimme beeindruckt zeigte. Simin Tander gab bereits zahlreiche Konzerte auf den renommiertesten Festivals weltweit, darunter Montréal International Jazzfestival, London Jazz Festival, Brussels Jazzfestival, North Sea Jazz Festival, Hong Kong Jazz Festival, Jarasum Jazzfestival, Enjoy Jazz, Leipziger Jazztage, San Francisco International Jazzfestival uvm.
Im Herbst 2020 erschien nun Simin Tanders neues Werk Unfading. Das österreichische Magazin Concerto vergibt die Höchstwertung (5 Sterne) und notiert: „Simin Tander überwältigt, betört und hypnotisiert [...] hochgradig unkonventionell, oft beinahe sakral und lyrisch gestimmt.“ Die Badische Zeitung empfindet „einen unwiderstehlichen Sog“ und die norwegische Ausgabe der Financial Times konstatiert: „wenn man Simin Tander singen hört, wird man es wahrscheinlich nie mehr vergessen.“ In manchen Aspekten knüpft das aktuelle Album an
seine Vorgänger an, darüber hinaus geht Simin Tander entschlossen andere Wege und setzt dadurch noch markantere individuelle Akzente. Die augenfälligste Neuerung ist die von ihr komplett reformierte Band.
Durch unkonventionelle Instrumentierung und extrem feinsinniges Spiel kreiert Simin Tanders ´new quartet´ einen transparenten und tiefgründigen Klang, den man so noch nie gehört hat. Der in der Schweiz lebende schwedische E-Bassist Björn Meyer (bekannt u.a. durch sein markantes Solo-Album Provenance bei ECM und seine Mitwirkung
bei Anouar Brahem) erweist sich – nicht zuletzt dank virtuosem Einsatz elektronischer Effekte – als Meister harmonischer Grundierungen und atmosphärischer Sounds. Samuel Rohrer, Schweizer in Berlin und an der Seite etwa von Colin Vallon, Daniel Erdmann oder Wolfert Brederode aufgefallen, glänzt einmal mehr durch ungewöhnlich sensibles und klangbewusstes Schlagzeugspiel, mit heruntergestimmten Trommeln und trockendunklem Puls in manchen Grooves. Sehr spezielle Facetten steuert Jasser Haj Youssef mit seiner filigranen, aus der
Barockmusik stammenden Viola d´Amore bei. Der in Paris ansässige Tunesier beeindruckt durch satte Klangfarben und einzigartige, orientalisch anmutende Phrasierungen, die zuweilen mystische Stimmungen suggerieren. Simin Tander und ihre ausgewählten Begleiter beflügeln sich gegenseitig, gemeinsam kreieren sie eine anrührende Intimität.
Die Stimme Tanders besticht durch ihre ganz eigene, charakteristische Ausdruckskraft und erscheint hier ganz nah und präsent. „Ein Fundament meiner Musik ist die Reise, die ich mit meiner Stimme mache. Ich verbinde mich mit ihr und versuche jede Nuance sprechen zu lassen. Tiefe und Durchlässigkeit sind mir ebenso wichtig wie Klarheit im Ausdruck und in der Intention. Dies mit der Stimme auszuleben ist für mich die größte Freude und auch ein großes Abenteuer, sei es beim Singen von komponierten Melodien oder beim Improvisieren."

Simin Tander voc), Björn Meyer (b), Samuel Rohrer (d), Jasser Haj Youssef (viola d´amore)

Die in New York lebende Sari Schorr wurde zunächst in der Blueswelt bekannt, nachdem sie mehrere Jahre mit der Blueslegende Joe Louis Walker und dem berühmten Gitarristen Popa Chubby durch die USA und Europa getourt war. Schorr wurde kürzlich in die New York Blues Hall of Fame aufgenommen.

Ein zufälliges Treffen mit dem legendären Plattenproduzenten Mike Vernon (Fleetwood Mac, John Mayall, David Bowie, Eric Clapton, Peter Green) in Memphis im Januar 2015 brachte Saris Karriere in eine neue, aufregende Richtung. Innerhalb von 5 Minuten, nachdem er Sari singen gehört hatte, bot er ihr an, Saris Debütalbum zu produzieren. Durch Mikes Verbindung wurde Sari sofort bei Großbritanniens führendem Rock/Blues-Label – Manhaton Records – unter Vertrag genommen.

Sari hat 2 Alben produziert, ihr Debütalbum „A Force Of Nature“ und nun „Never Say Never“. Never Say Never wurde in Atlanta, Georgia, von dem angesehenen Produzenten Tom Tapley (Elton John, Blackberry Smoke, Counting Crows) abgemischt. Beide Alben wurden von der Kritik für ihren stürmischen Gesang und ihre emotionsgeladenen Auftritte gelobt.

In den letzten 4 Jahren gründete Sari ihre eigene Band und tourte ausgiebig durch die USA und Europa. Viele Musikkenner bezeichnen Sari als eine moderne Mischung aus Janis Joplin und Tina Turner – eine glühend heiße Rocksängerin, die emotionale Intensität ausstrahlt, sich mit ihrem Publikum verbindet und es inspiriert und einen bleibenden Eindruck hinterlässt, der größer ist als das Leben. In einer Rezension ihres letzten Albums schrieb ein angesehener Musikkritiker: „Es könnten einem leicht die Superlative ausgehen, um zu beschreiben, was eine der besten weiblichen Stimmen sein muss, die es derzeit gibt.“

Kellie Rucker (USA) und Richie Arndt (DE) verbindet eine langjährige musikalische und
persönliche Freundschaft. Seit über 30 Jahren ist Kellie eine Reisende in Sachen Blues und
Rootsmusic. Sie ist - trotz ihrer 152 Meter- eine ganz Große in der internationalen
Bluesszene, eine konzentrierte Kraft an der Bluesharp und eine exzellente Sängerin mit einer
fantastischen Bühnenpräsenz.
Geboren in Oklahoma City, wechselte ihre Familie häufig den Wohnsitz. Texas, Virginia und
die Florida Keys waren nur einige Stationen. Sie lebte und arbeitete viele Jahre in Los
Angeles und tourte die Westküste der USA auf und ab. Mit vielen „Big Names“ aus Jazz,
Blues und Rock wie Dizzy Gillespie, Stephen Stills, Albert Collins, ZZ Top, Little Feat und
B.B. King stand sie zusammen auf der Bühne oder im Studio. Unter ihrem eigenen Namen
veröffentlichte sie ebenfalls mehrere CDs in den USA. Heute lebt sie in Florida und kommt
im Dezember 2021 mal wieder „über den großen Teich" um mit der Richie Arndt Band die
Winterblues 2021 Konzerte zu spielen…
Richie Arndt, Blues-, Roots- und Rockgitarrist und Sänger aus Ostwestfalen, ist eine feste
Größe der Deutschen Blues Szene. Mehrere German Blues Awards als „Bester Sänger“
(2018) für die „Beste CD“ (2016) und der Gewinn der German Blues Challenge (2018) mit
seiner Band, brachten ihm auch internationale Erfolge und führten ihn neben Tourneen in
Deutschland auch auf Konzerte in die USA, nach Irland, Russland, Frankreich, Italien, Polen,
Portugal und die Schweiz.
Kellie wirkte schon auf Richie Arndts CD „Train Stories“ als Sängerin und
Mundharmonikaspielerin mit und auch aktuell wieder auf seiner neuesten CD „Moments –
electric“ mit Gregor Hilden. Es ist immer wieder faszinier