Ein Abend mit Martin Sonneborn ist ein ganz unaufgeregtes Multimediaspektakel mit lustigen Filmen und brutaler politischer Agitation zugunsten der PARTEI, die in Deutschland immer noch unbemerkt nach der Macht greift.

herrH alias Simon Horn ist Kinderheld aus Berufung, oder besser gesagt, ein Familiensoundtrack auf zwei Beinen. Er versteht die Welt der Kinder. Er kann diese in Worte fassen, dazu Töne finden und in mitreißende Songs verwandeln. Denn für kleine und große Menschen Musik zu machen, ist für ihn das Allergrößte. „Mit Kindern zu arbeiten ist etwas ganz Wertvolles, auch gleichzeitig etwas ganz Sinnvolles und etwas ganz Ehrliches und Direktes und Unmittelbares. Einfach weil sie mich an die Hand nehmen und mir ihre Sicht auf viele Dinge zeigen“.

Dass herrH durch und durch Kindermusiker ist, zeigen auch die Begeisterungsstürme auf seine rund 200 Konzerte im Jahr. Ausgestattet mit einem Mikro, dicken Boxen für brummende Bässe, den richtigen Tanzschuhen und so einigen Tierchen aus dem herrH Zoo (wie z.B. Emma, die Ente oder dem Pinguin), wird jedes Konzert zu einer Riesenparty mit „Kuscheltier-Stagedive“ und hat alles, was zu einem ordentlichen Konzertbesuch dazugehört.

Simon selbst ist mit ganz viel Musik in Lippstadt, am Rande des Ruhgebiets, aufgewachsen. Das Tonstudio war im Familienhaus, täglich gingen Musiker ein und aus, denn auch sein Vater, Reinhard Horn, macht Musik für Kinder. Tatsächlich ist Simon ausgebildeter Grundschullehrer und dies erklärt neben dem Herz auch den Verstand für Kinder. Während seines Studiums machte er seine ersten Gehversuche mit Bands, die mit englischsprachiger Musik durch die Lande zogen. Doch seine Liebe zur Kindermusik war größer, weshalb er sich heute ganz darauf konzentriert die Kids zu begeistern.

Und diese Musik hat in vielen Familien mittlerweile auch ihren ganz festen Platz. Ob im Kinderzimmer, im Auto, auf einem Konzert oder wo man sonst noch gemeinsam Musik hört – herrH ist festes Familienmitglied. Seine Geschichten lassen Kinderaugen leuchten und bringen Eltern zum Schmunzeln. Seine Beats sind druckvoll und vielfältig: Gekonnt mischt er von Elektro, Pop, Rock, Funk und HipHop alles was in die Beine geht und Herzen bewegt. Seinen Stil könnte man „modern“ oder „am Puls der Zeit“ nennen, aber wenn man die Kinder fragt, dann ist herrH einfach nur „in“ und „cool“.

Der Reggaehase Boooo und der König, der nicht mehr tanzen wollte oder konnte.

Der König des Reggaewaldes hat den Proberaum geschlossen, weil er nicht mehr tanzen kann. Der Reggaehase Boooo will unbedingt wieder Musik hören und bittet drei Tanzlehrer aus der ganzen Welt um Hilfe. Doch weder Mohammed Kamel noch Enrique Papagei noch Schlomo Katze können den alten muffligen König zum Tanzen bringen. Doch dann hat die hübsche Häsin Josephine eine Idee…

Nach dem Kinderbuch von Jens Strohschnieder & Yellow Umbrella für alle ab 3 Jahren.

Es spielen: Raimund Jurack & Kaja Sesterhenn (Puppentheater Eckstein)
Sprecher: Dr. Ring Ding
Puppen: Anja Jurkenas
Musik: Yellow Umbrella

Kann man zu jung sein für philosophische und politische Gedanken? Kann man zu alt sein für Kindermusik? Die Rapperin und Aktivistin Sookee, die seit über 15 Jahren ihre Stimme gegen Diskriminierung und Ausgrenzung öffentlich erhebt, beantwortet beide Fragen ganz klar mit
„Nein“.

Als Sukini richtet Sookee ihre Aufmerksamkeit auf die Ohren kleiner Leutis. Sie widmet ihnen auf 12 Liedern des Albums „Schmetterlingskacke“ Geschichten und Liebeserklärungen voller Trost und Mut. Für Sukini ist es nämlich das Schönste, wenn Erwachsene sich trotz stressigen Alltags und eigener Sorgen und Nöte für die Kleinen Zeit nehmen und mit ihnen gestrichen in die grenzenlosen Weiten
kindlicher Phantasie und Lebensfreude abtauchen. Sukini lädt mit diesem Album dazu ein gemeinsam die Welt zu betrachten, zu kichern, spielen, streiten, philosophieren und kuscheln. Ohne den Blick auf die Uhr, ohne Bewertung, ohne „Das verstehst du noch nicht“.

Alle Menschen teilen sich eine Welt und die muss sich auch den Ideen
und Fragen der Kleineren unter uns widmen. Weil es nur fair und
gerecht ist und weil wir alle so viel voneinander lernen können.

Meadows (Singer/ Songfighter aus Schweden)

Intim, ergreifend, authentisch und tiefgründig: Meadows gibt sein Innenleben preis. Manchmal düster, manchmal hoffnungsvoll, aber immer voller Leben und Emotionen. Geboren und aufgewachsen ist der Fingerstyle Gitarrist und Songwriter Christoffer Wadensten in der Kleinstadt Söderköping an der Ostküste Schwedens. Er hat die letzten paar Jahre unter dem Pseudonym Meadows die Welt bereist und mit seiner introspektiven, akustischen Musik zahlreiche Clubs und Wohnzimmer erfüllt und verzaubert. Seine Musik vereint Menschen, macht Fremde zu Freunden und Fans, die in seiner Musik Zuflucht und Vertrauen finden. 

Seine erste EP "The Only Boy Awake" wurde im Jahr 2016 durch das deutsche Label "What We Call Records" veröffentlicht. Der Titeltrack wurde in die Netflix-Serie "Tote Mädchen lügen nicht" ("13 Reasons Why”) aufgenommen. Mittlerweile kann Meadows über 30 Millionen Streams vorweisen.

Der Titel von Meadows’ neuem Album - "The Emergency Album" - ist inspiriert vom amerikanischem Lyriker Frank O’Hara. Es erzählt von der Fähigkeit einen Gefühlszustand während eines Notfalls zu fassen und spüren. Das Album markiert einen Wendepunkt in Wadenstens Leben und schafft Platz für einen neuen Zyklus in dessen Musik: Tiefsinnig, betrübt und wunderschön zugleich. 

Hier ist nichts gesampelt oder programmiert. Die Arrangements reichen von schlichter Gitarre und Stimme hin zu tiefgehenden, detailverliebten Songs. Man könnte Wadensten als “Mad Professor” im Studio bezeichnen, der mit akustischen Instrumenten und analogen Synthesizern ein zeitlos schönes Endergebnis schafft.

"The Emergency Album" erschien am 27. März über das New Yorker Label AntiFragile Music.

Vier Künstler, drei Kontinente, ein gemeinsamer Nenner. Ihre Musik erscheint wie ein Manifest der puren Lebensfreude. Was Bukahara auf ihren Konzerten abliefern, zeugt von einer Band, die sich nicht nur auf musikalischer, sondern auch auf menschlicher Ebene gefunden hat. Doch ist es auch die Fusion verschiedener Musiktraditionen, der eigensinnige Kompositionsstil und die hingebungsvolle Verzahnung von Handwerk und Leidenschaft, die Bukahara zu dem machen, was sie sind: ein Juwel der deutschen Popkultur.

Vor zehn Jahren, als die Viererbande neben Straßenmusik noch Jazz in Köln studierte, ging die Reise unter dem Namen Bukahara los. Seitdem haben sich die vier Freunde mit scheinbar barfüßiger Leichtigkeit vom Straßenrand zum Headliner von großen Festivals und internationalen Konzerten hochgespielt. Nichtsdestotrotz ist das Quartett seiner unkonventionellen Ader treu geblieben und hat sich seine musikalische Neugier stets beibehalten.

Passend zu ihrem rätselhaften Bandnamen – der in keinem Wörterbuch der Welt zu finden ist – lässt sich ihre Musik in keine Schublade zwängen. Mit dem Einsatz von Geige, Kontrabass, akustischer Gitarre, unterschiedlichster Perkussion und Posaune spazieren die Multiinstrumentalisten nonchalant von Genre zu Genre ohne sich aktuellen Trends anzupassen. Die musikalische Vielseitigkeit zeigt sich nicht zuletzt dann, wenn die Geige zur Mandoline wird, das Sousaphon den Bass übernimmt und der Sänger auf einmal von der Gitarre zum Schlagzeug wechselt. Dabei finden sich ruhige Folk-Balladen ebenso im Repertoire wie wild tanzbare Klangexplosionen mit osteuropäische anmutenden Klängen, türkischen Rhythmen oder Fragmenten nordafrikanischer Musik. Getragen von den Melodien der leicht rauen, markanten Stimme des Leadsängers verflechten sich Sounds aus aller Welt zu klugen, stimmigen Arrangements.
Die Stücke sind komplex und von hoher Virtuosität, bleiben jedoch stets tanzbar und zugänglich. Das Resultat ist eine eingängige, aber nicht minder raffinierte Popmusik. Trotz Ihrer beachtlichen Erfolge bleibt die Band bis heute bewusst unabhängig von großen Labels und zieht es vor ihren eigenen Weg zu gehen. Dieser Einstellung bleibt die Band auch mit ihrem vierten Studio-Album treu: Die Independent-Produktion wird im kommenden Frühjahr auf ihrem eigenen Label „BML records“ erscheinen und auf der LIVE TOUR 2020 das erste Mal dem Publikum vorgestellt.

Wohin wird die Reise gehen? Bleiben wir gespannt, denn nur eines ist klar: Bukahara werden sich immer wieder in neue Abenteuer stürzen, um die Zuhörer in unermüdlicher Manier zu verzaubern.

„Eine außergewöhnliche Kombination. Eine nahezu perfekte Kombination.“ //
„Eine erfrischende, überraschende und ergreifende Mischung.“ (NEON) //
„Auf ihren Reisen durch die Welt haben die Jungs viele Einflüsse in sich aufgesogen und in ihre Musik einfließen lassen.“ //
„Großartige Improvisationen, Perkussion, Gitarre und Bass sorgen für den mitreißenden Rhythmus und die Violine begeistert mit atemberaubenden Solis“ (Adolf „gorhand“ Goriup, Folkworld)

Beans on Toasts neues Album „The Inevitable Train Wreck" ist für den Kult-Songwriter etwas anderes - eine peppige, altmodische Rock-´n´Roll-Platte über die besorgniserregende trostlose Zukunft der Menschheit, die ausschließlich mit klassischem, analogem Equipment aufgenommen wurde.
Inspiriert von musikalischen Ikonen wie Chuck Berry und Otis Redding sowie modernen Denkern wie Noah Yuval Harari und Greta Thunberg, ist das Album ein Gemeinschaftsprojekt von Beans und Lewis & Kitty Durham der beliebten Familienband Kitty, Daisy und Lewis. Beans schrieb die Sammlung von Songs und brachte sie zu Lewis und Kitty, die dann die Musik hinter den Texten neu schrieben und die Platte in ihrem Studio „Durham Sound Studios" produzierten, wodurch der Sound von akustischen Folk zu dem wunderbaren Werk wurde, das wir Ihnen heute präsentieren.

Die Intention des Projekts lässt sich wohl am besten an der Eröffnungsnummer „World Gone Crazy" verdeutlichen, einem rasanten, klassischen Rock´n´ Roll-Track mit Texten, die behaupten: „Am Rande des Aussterbens im Zeitalter der Angst, wo man hinschaut, ist eine weitere Katastrophe".
Bei der Aufnahme, dem Mix oder dem Mastering des Albums wurde kein einziger Computer verwendet, was seltsamerweise für „Saying Thank You to Robots", einen Ska-Song über den Aufstieg der künstlichen Intelligenz, passend ist. An anderer Stelle auf dem Album finden Sie eine Blues-Nummer über die Kriege der Zukunft, „Rich vs. Poor", und einen Kinks-Stil Jam, „Extinction No.6", über die Sorgen, mit denen neue Eltern konfrontiert sind, die ihren Kindern einen zerstörten Planeten hinterlassen.

Das Album hat ein übergreifendes Thema, aber es ist keineswegs ein Konzeptalbum; es ist einfach ein Fall von dem, was in diesem Jahr in Beans on Toast´s Geist war. Es gibt sogar ein Lied über den Tag, an dem er seine treue Gitarre Martin verlor, und natürlich ein Liebeslied über seine Muse und Frau Lizzy Bee.
Das Album "On & On", führt uns zurück zu einem vertrauteren Beans-Sound - er spielt wieder auf der Akustikgitarre und sucht mit einem optimistischen Lächeln nach Hoffnung. Ja, das sind unruhige Zeiten, in denen wir leben, also ist es jetzt wichtiger denn je, das zu feiern, was wir bereits als gut kennen.
„Das Leben ist lächerlich, es ist urkomisch, es kann gefährlich und manchmal sogar langweilig sein. Aber es ist widerstandsfähig und es ist schön und ich glaube daran. Möge es noch lange dauern"

Apropos Album, sagte Beans:
„Lewis und Kitty sind musikalische Genies und ich habe noch nie so etwas erlebt. Ich sang in ein Mikrofon, das Lewis selbst gebaut hatte, das an eine ganze Reihe von alten Geräten angeschlossen war, die er im Laufe der Jahre geborgen und gerettet hatte, die dann alle in ein Mischpult gingen, das er aus einem alten Klavierdeckel gebaut hatte. Zusätzlich zu dem Wissen, wie man dieses Equipment baut, weiß er, wie man alles benutzt, und nachdem er ihm meine Songs präsentiert hatte, hatte er eine klare Vorstellung davon, wie sie klingen sollten. Dieser Sound wurde von Kitty zum Leben erweckt, die Gitarre (offensichtlich von Lewis gebaut), Bass, Schlagzeug, Percussion und Mundharmonika während der gesamten Aufnahme spielte. Einer der souligsten Musiker, mit denen ich je das Vergnügen hatte, zusammenzuarbeiten. Jede Note, die sie spielt, sprudelt vor Gefühl. Sie lässt es so einfach aussehen!"

„Mein letztes Album war über die Welt vor meiner Haustür, hauptsächlich über die Geburt meiner Tochter und mein Familienleben. Für dieses Album wandte ich meine Aufmerksamkeit wieder der Welt zu, und es sah nicht gut aus. Das 6. Massensterben des Lebens auf Erden, spaltende Politik, der Aufstieg der Künstlichen Intelligenz. Es sah alles ziemlich düster aus, um ehrlich zu sein, und darüber habe ich angefangen zu schreiben. Wenn die Songs diese apokalyptische Perspektive hätten, dachte ich mir, dass es besser wäre, sie glücklich zu präsentieren, und kam auf die Idee, eine Rock´n´ Roll-Platte zu machen. Sobald die Idee kam, wusste ich, wen ich fragen musste. Ich bin schon seit langem ein Fan von Kitty Daisy & Lewis und traf sie zum ersten Mal in meinen Nambucca-Tagen, als sie noch Kinder waren. Das Schicksal kam ins Spiel und ich traf Lewis letztes Jahr in einem Zug."

"So viel Liebe ist in diese Platte eingeflossen. Ich bin stolz darauf und hoffe, dass es euch gefällt, bevor alles schief geht."

Support your local Artist - Leipzig ist eine durch die aktuelle Lage entstandene Veranstaltungs-/Konzeptidee von Schauspielerin und Sängerin Eva Löser, die mit Hilfe eines Stipendiums der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen ermöglicht wird.

Warum? Weil durch CORONA vielen Künstlern Gigs, Konzerte, Auftrittsmöglichkeiten weggebrochen sind, weil wir alle im gleichen Boot sitzen, weil die Pandemie die ganze Branche vor große Herausforderungen stellt, weil Kunst und Kultur so wundervoll und wichtig sind, besonders jetzt: Um das zu erhalten, was uns durch die Pandemie genommen wurde. Und das fängt lokal an, hier! Bei euch um die Ecke.

Support your local Artist - Leipzig verbindet an einem Abend verschiedene Genre und lokale Künstler, von Poetry Slam über Beatbox bis hin zum Konzert, da es eben uns alle betrifft.

Line Up:

Haiko Schlögl
• Ich arbeite als Arzt in Leipzig
• Komme aus Frankfurt am Main, bin aber schon seit ca. 10 Jahren hier
• Erster Science Slam 2014, im Werk 2.
• Danach immer wieder Auftritte in Leipzig und Halle, für die Uni Leipzig bei der
Einweihung des Paulinums am Augustusplatz, im Schauspielhaus, für die
evangelische Kirche auf dem Kirchentag und beim Sommerfest der Mediziner-
Fachschaft
• Und sonst noch: Basketball, Rennrad fahren, Schlagzeug spielen

L-MOOP
Tanzbare Beats, ausgefallene Melodien im Modern Jazz-Gewand und jede Menge
ungeahnte Soundeffekte - das ist L-Moop am Werk mit seinem geliebten Schleifenkasten.
Der junge Lehramtsstudent für Musik und Französisch ist ohne dicke Plattensammlung,
USB-Stick oder MacBook unterwegs. Alles, was er braucht, sind seine Loopstation, ein
Mikrofon und seine unwiderstehliche Stimme. Während er alle Sounds live produziert,
experimentiert er lebhaft durch Stilarten wie Pop, Trap und House; sodass keine
Performance der anderen gleicht. Wer wissen will, wie Beatbox, Sologesang und Club-
Atmosphäre zusammen passen, kommt hier voll auf seine Kosten.

2ERSITZ
Aus dem Zentrum der boomenden Beats kommt das junge Kollektiv mit live-Hip Hop, Reggae, und Pop. Sechs bunte Füchse fühlen sich auf der Bühne am wohlsten.
Die Texte von Joke, dem Gründer des Projekts flashen seit 2006 deutschlandweit und befriedigen Ohren vieler Genres.
Sie verzichten auf Parolen und Uniformen und richten sich an die Generation, die nicht einfach nur Geld macht.
Aus Hausprojekten und Komunen kommt Kunst ohne Masken und Glamour, aber mit viel
LOVE. Der Name verlässt das Programm: Sitzen war, tanzen ist.

EVA LÖSER
Sängerin, Schauspielerin und Künstlerin. Eva Löser macht irgendwie alles. Und sie liebt die Vielseitigkeit.
Eva Löser studierte von 2013 bis 2017 Musical an der Folkwang Universität der Künste in Essen und ist seit dem in den unterschiedlichen Bereichen der Branche unterwegs. Sie spielte bereits an verschiedensten Theatern, darunter das Grillo Theater Essen, die Oper Bonn, die Oper
Chemnitz, das Schauspielhaus Düsseldorf und das Theater der jungen Welt Leipzig. Zuletzt stand sie bei den Domstufenfestspielen in Erfurt auf der Bühne. Daneben dreht sie regelmäßig für Film- und Fernsehproduktionen und steht als Model vor der Kamera. Sie schreibt ihre eigene Musik, sitzt dabei am Klavier und singt. Pur, ehrlich und direkt.
Für die Veranstaltung »Support your local artist - Leipzig« hat sie einmal die Seiten gewechselt und ist gleichermaßen Veranstalterin wie Künstlerin.

Zwischen Pfeffi am Späti und den Kater nach der WG-Party passt immer noch eine geballte Faust. Es gibt wohl keine bessere Zeit für wütende, bis in die Knochen motivierte Politpunk-Bands wie Radio Havanna, die sich mit ganzer Kraft für politische und soziale Zwecke einsetzen: Ganz Europa schwankt nach rechts außen und erstmals seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs sitzt eine offen rechtsextreme Partei im Bundestag. Dass die Hoffnung zuletzt stirbt will das Berliner Quartett mit seinem neuen, am 12. Januar erscheinenden Album „Utopia“ beweisen, das die Band über ihr frisch gegründetes eigenes Label Dynamit Records veröffentlicht.

„Jetzt sind wir da und hier ist nichts mehr wie es wahr/ Willkommen in Utopia/ In einem Traum der uns gehört haben wir zerstört was uns zerstört/ Willkommen in Utopia“ – mit dem wuchtigen Halftime-Chorus, der sich zwischen gleichzeitig tanzbare und kraftvoll nach vorne preschende Strophen schiebt, nimmt die Punk-Band schon im nach dem Album benannten Opener alle Träumer an die Hand und versichert, dass selbst in dunkelsten Zeiten ein Silberstreifen am Horizont bleibt. Diese positive Note zieht sich durch die gesamte Platte, besonders durch wütende Protesthymnen wie das von einem nervösen HiHat-Beat getriebene „Faust hoch“. Dabei geht es Radio Havanna allerdings um mehr als nur leere Worte. Das zeigt der gleichnamige Künstlerverbund, in dem sich befreundete Bands wie ZSK, Itchy, Von Brücken, Slime oder Kmpfsprt deutlich gegen die AfD und ihre braunen Parolen positionieren. Was allerdings ebenso zu Radio Havanna gehört wie Gesellschaftskritik: die ironische Brechung von Klischees und der politische Fingerzeig mit Augenzwinkern. So dreht sich „Homophobes Arschloch“, das dem raspelig-melodischen Gesang von Christian „Fichte“ Fichtner satte Whoa-Oh-Chöre entgegensetzt, um hypermaskuline, rechtsoffene Hooligans, die insgeheim doch eigentlich nur die neueste Chart-Pop-Platte hören und mit Klaus statt Claudi kuscheln wollen – ein spiritueller Nachfolger zu „Schrei nach Liebe“, der wie gemacht für Singalongs ist.
Dass sich Radio Havanna auch auf ihrem sechsten Album ihre Pop-Momente bewahrt haben, schmälert die Kraft ihrer Message dabei kein Stück. Im Gegenteil: Die rockige Schellenkranz-Liebeshymne „Hassliebe“ macht sich beispielsweise hervorragend neben dem punkig-pulsierenden, augenzwinkernden „Schwarzfahrer“. Der mitreißende Drive kombiniert mit den klaren Positionen und dem Sinn für große Hymnen schlägt sich auch in den explosiven Live-Shows der Band nieder, die sie von Headliner-Shows in Brasilien über Slots auf Festivals wie dem renommierten The Fest in Gainesville in Florida bis hin zu Support-Touren für Die Toten Hosen, Rise Against oder Sum41 auf Bühnen auf der ganzen Welt geführt hat. Auch 2018 halten Radio Havanna mit einer ausgiebigen Headliner-Tour passend zum Albumrelease und einer ausgedehnten Festivaltour Kurs auf das, was zählt: mehr als nur Musik unter möglichst viele Menschen zu bringen, Haltung zu zeigen und hasserfüllten Parolen hoffnungsvolle Hymnen entgegen zu schmettern. In diesem Sinne: Faust hoch – für „Utopia“.